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70. Attaque massive – Heligoland [Virgin]

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À l’époque où il était connu sous le nom de Météo Underground au milieu des années 2000, il semblait presque que le cinquième LP de Massive Attack, menacé, risquait d’être retardé sur le territoire des « albums perdus ». Mais après près de cinq ans de faux départs, de quasi-accidents et de presque nevers, Ninja et Daddy G ont donné au projet un nouveau titre (du nom d’un archipel en Allemagne), une ambiance plus organique, plus lourde à la guitare et un éventail sauvage d’invités allant de Horace Andy, un grand habitué de la télévision sur le leader de la radio Tunde Adebimpe, et Damon Albarn à Hope Sandoval, Elbow’s Guy Garvey, ses collègues architectes trip-hop Martina Topley-Bird et le guitariste de Portishead Adrian Utley. Massive Attack finit avec son meilleur album livre pour livre depuis protection. – Ron Hart

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69. Robyn – Body Talk, pt. 1 [Cherry Tree]

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Les couvertures d’album pour les sorties de 2010 de Christina Aguilera, Kelis et Erykah Badu présentaient des représentations de chaque artiste en partie femme, en partie machine. Ces explorations gaga-esques de la féminité ne sont nullement nouvelles dans le paysage pop. Cependant, la culture et la technologie numériques ont ajouté un sentiment de fluidité robotique au genre et à l’identité sexuelle, y compris celle de nos stars de la pop. Fréquemment exclu de cette conversation dans le paysage musical américain, l’auteur-compositeur-interprète suédois Robyn, qui a produit trois albums étonnants cette année. Le premier, intitulé Body Talk Pt. 1 est la vedette – un disque pop impeccable et compact qui traite de sujets que Lady Gaga essaie seulement de discuter. Robyn est aussi habile auteur-compositeur que quiconque se classe dans le Top 40, mais son désintérêt pour le sex-symbolisme américain la met probablement hors du marché américain. Des chansons comme « Dancing on My Own » et « Fembot » ne sont pas seulement des chansons pop géniales; ce sont des exemples de la version extrêmement convaincante de Robyn au 21e siècle de l’emblématique pop féminine. – Stefan Nickum

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68. Vijay Iyer – Solo [ACT Music & Vision]

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Vijay Iyer a fait sa carrière en retournant le jazz. Ses albums de quatuor des six dernières années ont été agressifs, en colère et hilarants, trois adjectifs qui sont rarement utilisés pour décrire la nouvelle musique jazz. Il est donc surprenant que son premier album de piano solo soit si clairsemé, lyrique et traditionnel. Bien sûr, les choses qui font Iyer Iyer sont toujours là: les rythmes saccadés, les lignes idiosyncratiques et le sens de l’humour. Iyer s’est récemment positionné en tant que révisionniste de jazz, réécrivant des chansons pour s’adapter à sa vision du monde. Son point de vue sur « Epistrophy », un ancien standard de Thelonious Monk, se situe entre « Human Nature » de Michael Jackson et la chanson encore plus ancienne de Jimmy Van Heusen « Darn That Dream ». Son bricolage serait malvenu s’il ne réussissait pas, mais je suis heureux de dire qu’il est capable de faire entendre le jazz même aux plus aguerris sous un nouveau jour. – Callum MacKenzine

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67. Oneohtrix Point Never – Returnal [Editions Mego]

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L’une des histoires majeures dans les cercles expérimentaux cette année a été le rajeunissement du label Editions Mego, une empreinte qui (comme simplement, Mego) a contribué à populariser l’électronique et le drone sur ordinateur portable au début des années 2000. C’est leur afflux récent de progressistes dévoreurs de synthés, cependant, qui a aidé à percer des oreilles curieuses moins habituées aux extrêmes de l’underground. Daniel Lopatin, alias Oneohtrix Point Never, un passionné de synthés vintage élevé à Brooklyn, dont la discographie en constante croissance a culminé cette année avec une grande discographie, a émergé en tant que leader de facto du mouvement. Retour.

S’étendant bien au-delà des moulins magnétiques et arpégés de sa sortie la plus récente, Retour au lieu de cela, Lopatin regarde les extrêmes des spectres ambiant et sonore pour construire un LP de plateaux à la dérive et de pics galvanisés et aigus. Rare est l’artiste assez courageux pour s’essayer à des formes aussi diverses et aimées. Plus rare encore, l’esprit est capable d’assembler les résultats en un tout homogène et stupéfiant. – Jordan Cronk

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66. Cee-Lo Green – The Lady Killer [Elektra/Asylum]

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Cee-Lo Green est sans doute le chanteur masculin contemporain le plus expressif dans tous les genres de musique populaire. Sa sensibilité ne s’exprime pas à travers un regard nombril chuchoté. Il va directement au sommet de la montagne et souffle ses émotions – déchaîné, sans honte. Quel que soit le titre de l’album et la pose cool de la couverture de l’album à lunettes, The Lady Killer contient à peine une once de posture macho. Au lieu de cela, Green oscille entre la théâtralité (« Love Gun ») et la sincérité (« No One’s Gonna Love You »). La musicalité ici est vraiment exceptionnelle, du rythme de go-go de « Satisfied » à la jambe rythmée par synthé de « Bright Lights Bigger City » aux choeurs angéliques de Philip Bailey sur « Fool For You ». Même si les arrangements tournent parfois vers une exagération, Green ne se laisse jamais submerger par son environnement. Bien sûr, le single le plus célèbre de l’année se trouve ici aussi (« Fuck You »). Si c’est l’appât dont vous avez besoin, il rapporte des dividendes. – Christian John Wikane

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65. The Radio Dept. – Accrocher à un programme – Labrador

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Ce que le groupe indie-pop suédois le Radio Dept réalise sur leur troisième album n’est pas seulement d’affiner le balayage romantique et doux-amer de leur musique, de la garder fraîche en rationalisant leur son et en le remplissant de nouvelles astuces qui mettent l’accent sur la flexibilité de la musique pop . Ils ont également épousé un sentiment personnel de déception avec un sentiment mondial. Ces chansons reflètent un souhait progressiste d’un monde où la liberté et l’égalité sont valorisées, tout en soulignant la façon dont le rêve est continuellement écrasé. Ils évoluent « à contre-courant » (une phrase de leur premier LP qui revient ici), au milieu des vagues croissantes de charlatans, d’hypocrites et de contrôle des entreprises. En même temps, ce sont principalement des chansons tristes sur la façon dont les gens ne parviennent pas à se connecter les uns aux autres. Les promesses non tenues, la «perte de mémoire» et l’incapacité à «donner un sens» sur lesquelles ils chantent représentent l’autocritique et la déception des amis et des amoureux. C’est aussi un commentaire social pointu. – Dave Heaton

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64. The Nels Cline Singers – Initiate [Cryptogramophone]

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Lancer ne devrait pas être un classique. Il est dispersé et maniaque et – avec un disque studio, un disque live et plus de deux heures de musique – probablement trop gros. Les deux disques regorgent de genres, d’idées et de pandémonium sans idée. Ce qui devrait être un surfeit désordonné s’avère en fait être amusant. À ce stade, la virtuosité du trio (le guitariste Nels Cline, le percussionniste Scott Amendola et le bassiste Devin Hoff) n’est pas en cause, et maintenant ils ont fusionné cette compétence avec une grande imagination. Les albums ont des moments allant du jazz traditionnel (peut-être pas tout à fait Charlie Charlie) à l’électronique spatiale au noise-rock. Le défi avec ce genre de disque devrait être de le faire coïncider, mais les Singers renoncent à cette approche, choisissant un caractère sauvage dans leurs explorations. Il se tient parce que chaque pièce est agréable, le séquencement fonctionne dans le chaos et le groupe a de l’énergie et de la créativité à revendre. Rien de plus approprié n’aurait simplement pas été approprié. – Justin Cober-Lake

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63. Agalloch – Moelle des esprits [Profound Lore]

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Chaque album d’Agalloch au cours des 11 dernières années a été une réalisation remarquable, que ce soit en 1999 Folklore pâle, 2002’s Le manteau, ou 2006 Cendres contre le grain, mais le quatrième long métrage du quatuor de Portland, Oregon est une autre histoire. Le somptueux mélange de folk, de post-rock et de black metal pour lequel ils sont connus est toujours présent, mais Moelle de l’esprit est beaucoup plus difficile, car il élargit subtilement leur son.

Des mélodies de violoncelle frappantes qui rappellent le Kronos Quartet serre-livres de manière cinématographique, l’intense et beau « Into the Painted Grey » emmène les auditeurs dans un territoire beaucoup plus sombre que jamais, et les magnifiques « Ghosts of the Midwinter Fires » incorporent les tons mélancoliques de Cure dans le métal comme tout le monde. Le meilleur de tous est la pièce maîtresse de 17 minutes « Black Lake Nidstång », une épopée de métal progressif qui est presque comme Krautrock dans sa forme et sa volonté d’expérimenter. Quand il s’agit de musique métal avant-gardiste, poétique et affirmant la vie en 2010, il n’y a rien de mieux que cela. – Adrien Begrand

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62. Roky Erickson avec Okkervil River – True Love Cast Out All Evil [Anti-]

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Ce fut une année difficile pour un fan de musique. Nous avons perdu trop tôt des talents comme Vic Chesnutt (en décembre 2009), Mark Linkous et Jay Reatard, et avons dit au revoir à Solomon Burke, Lena Horn et à d’innombrables autres au cours des 12 derniers mois. Mais voici un album pour trouver du réconfort, car l’histoire de Roky Erickson n’est-elle pas la meilleure de 2010? Pour tout ce qu’il a vécu – des problèmes avec la loi, des institutions psychiatriques, vivre avec une maladie mentale, des combats de garde au sein de sa famille – ne devrait-il pas être résigné à l’amertume? Devrait-il même pouvoir nous donner
Le véritable amour chasse tous les maux?

Pour tout le monde, vraiment, la générosité d’esprit sur ce disque est stupéfiante. Erickson ne rejette pas le passé – les morceaux enregistrés pendant son hospitalisation sont granuleux et déchirants – mais sa voix altérée mine le roulement désordonné et poussiéreux de ces chansons pour des lueurs d’espoir à la suite de tous ses essais. Et, sur des chansons à couper le souffle comme « Two Birds’d Crashed » ou « Be and Bring Me Home », il les trouve. En tant que groupe, Okkervil River atténue sa grandiose rock-show et joue un deuxième violon humble et robuste à Erickson. Parce que c’est son émission, et son histoire – sa perte majeure et sa rédemption ultime – mérite d’être entendue, encore et encore. Surtout quand on le raconte avec autant de cœur. – Matt Fiander

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61. Bilal – La vengeance hermétique [Plug Research]

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Ce fut en fait une très bonne année pour les artistes noirs non conventionnels. Mais Bilal Oliver – faisant un retour bienvenu sur la scène après près d’une décennie – a surpassé toute la concurrence avec son album incroyablement inventif et incroyablement agréable,
La vengeance hermétique. C’est le travail d’un artiste qui maîtrise pleinement ses compétences, redéfinissant sa relation avec son public car la musique l’a simplement emmené dans un endroit inattendu. Lorsque vous entendez « Robots » ou « Gâteau et mangez-le aussi », vous écoutez Bilal articuler le familier de manière inconnue et revigorante. Et finalement, si vous aimez les derniers travaux de Janelle Monáe et Kanye West, vous adorerez La vengeance hermétique plus. – Tyler Lewis

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60. The Walkmen – Lisbonne [Fat Possum]

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C’est un record remarquable, et le meilleur jusqu’ici des Walkmen de New York. Pour un groupe qui peut parfois rencontrer un peu la même chose – entre le chant rauque du chanteur principal Hamilton Leithauser, les tambours parfaitement paresseux de Matt Barrick et les guitares triples de Paul Maroon, le leur est un son profondément distinctif – sur Lisbonne ils utilisent leurs forces considérables à leur avantage. Tour à tour tristes, anxieuses et passionnées, les chansons plaintives de Leithauser reposent sur un lit de mélodies et de paysages sonores magnifiques. Pour la première fois, ils ont enregistré un disque complet, unifié et presque parfait. Sur un air hors du commun comme « Angela Surf City », comme les guitares gonflent et refluent comme la mer Ibérique, et les tambours martelants nous entraînent, en plus de tout cela, bien que Leithauser vante la solitude, le découragement, l’anxiété et la déception, vous ne pouvez pas vous empêcher de sourire. – Stuart Henderson

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59. Underworld – Barking [Om]

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Lorsque DJ Darren Emerson a quitté Underworld après trois albums de transformation d’un groupe de synthpop en groupe de techno, il y a certainement eu une période d’ajustement, mais pas de la manière la plus évidente. Plutôt que de revenir à leurs racines de synthpop, Karl Hyde et Rick Smith ont décidé de continuer à danser, mais ils n’ont jamais tout à fait compris comme ils le faisaient quand Emerson était là. Alors que des moments d’éclat ont rythmé les albums studio depuis lors, ce n’est que Aboiement qu’ils ont monté un album qui pouvait être écouté et apprécié du début à la fin.

Ce qu’ils n’ont pas fait, c’est arriver à cet éclat par eux-mêmes – il semble que Underworld fonctionne mieux quand il y a un troisième membre augmentant le processus de composition de Hyde et Smith. Ce que le duo a fait a été de recruter tout un tas de « troisièmes membres », rassemblant ce qui est essentiellement un album plein de singles, des collaborations qui portent chacune leur propre identité unique mais qui sonnent toujours comme Underworld. La variété des subventions de collaboration Aboiement le genre de valeur de relecture qu’un album Underworld n’a pas eu dans ce qui semble être des âges. Ce ne sera jamais leur entreprise la plus réussie sur le plan commercial, mais Aboiement pourrait bien être leur travail le plus durable. – Mike Schiller

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58. Émeraudes – Est-ce que j’ai l’impression d’être ici? [Editions Mego]

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À un moment donné, Emeralds a jeté tellement de cassettes contre le mur qu’ils ont pensé que quelque chose devait coller. Maintenant, ils font kosmische des pépites aussi intimement rendues que les joyaux de leur homonyme, si cristallines et magnifiques qu’il vaut la peine de se faire piéger dans une mine chilienne pour faire jaillir sa beauté. À partir de l’ouvreur sucré « Candy Shoppe », les modèles de synthés labyrinthiques d’Emeralds s’avèrent hypnotiques et narcotiques, laissant l’auditeur avec la moindre conscience pour essuyer la bave de son menton, appréciez le mélange parial de la prodigieuse guitare tourbillonnante de Mark McGuire travailler et recommencer l’expérience pour vous épanouir ou plonger à nouveau. Trop vivants et revigorés pour être hypnagogiques, trop anxieux pour que ses formes d’onde soient classées comme « froides », les émeraudes se sont éloignées de leurs chers pairs pour le luxe arty des Editions Mego (célèbre pour les symphonies ambiantes chargées de distorsion comme les œuvres majeures de Fennesz) et se sont terminées donnant à ces gens une de leurs versions définitives. – Timothy Gabriele

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57. Los Campesinos! – Romance is Boring [Arts & Crafts]

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En quelques années, le jeune groupe anglais Los Campesinos! a sorti environ trois douzaines de chansons, pour la plupart formidables. Le lot le plus récent est regroupé sur La romance est ennuyeuse, et la première moitié du disque sonne généralement exubérante, avec le « Ce sont des bâtiments répertoriés » et la piste de titre pogoing. Mais l’énergie punk est plus maussade cette fois-ci et, surtout dans la moitié arrière (pensez-y comme face 2), les chansons deviennent plus réfléchies, comme dans la belle « A Heat Rash in the Shape of the Show Me State », ou carrément angoissé, comme dans la tension majestueuse de « La mer est un bon endroit pour penser à l’avenir ». À ce stade, le groupe semble être en mission de racheter le partage partagé confessionnel d’années de pleurnicheries emo. « Parlons de vous pendant une minute », suggère au départ le chanteur et parolier Gareth Campesinos, probablement conscient de la fugacité de ces 60 secondes. Ce n’est pas du narcissisme; c’est juste qu’avec ces histoires agitées de tâtonnements et / ou de cour spastique, il y a toujours un «moi» troublé pour correspondre à ce «vous» insaisissable. – Jesse Hassenger

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56. Femmes – souche publique [Flemish Eye]

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Bien que le combat sur scène qui a incité les femmes à annuler leur tournée d’automne puisse signifier la fin du groupe, au moins il est venu après leur sortie Souche publique. Les femmes jouent de la pop bruit contre-intuitive qui mélange le meilleur du rock au cours des dernières décennies: les mélodies ensoleillées et singulières de la pop des années 60 au minimalisme de conduite du Krautrock des années 70 avec les guitares de pêche pointues du post-punk des années 80, toutes enterrées sous le feedback ambiant bourrasque de musique indie des années 90. C’est comme écouter les zombies Odessey et Oracle ou les Beach Boys Sourire dans le coma. La perfection pop se noie dans l’écho, la réverbération, l’obscurité, mais essaie de vous attirer dans la lumière.

De l’ouvrage étrangement singalong « Can’t You See », qui sonne comme les Mamas et les Papas jouant dans la tempête de neige de la photo de couverture de l’album, au multi-part culminant de « Eyesore », comme un combat entre Sonic Youth et les Hollies que personne ne gagne. Les femmes parcourent le détroit délicat entre la Scylla monolithique de la pop et le Charybdis tourbillonnant de bruit. – Scott Branson

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55. Jónsi – Go [XL Recordings]

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Quand Sigur Rós est sorti Með suð í eyrum við spilum endalaust en 2008, peu – le cas échéant – étaient préparés pour la courbe incontrôlable qui venait de leur être lancée: les rois du paysage sonore islandais venaient de faire leur album pop, plein de grosses lignes de basse, de mélodies accrocheuses en boucle, guitares acoustiques guilleret, et un sentiment de joie qui était absent de leurs premiers albums et ne faisait allusion qu’à 2005 Takk. Avec Aller cependant, l’embouchure angélique Jónsi n’a pas simplement sauté de front dans le paysage pop: il l’a fait à ses propres conditions.

En remplaçant les batteurs par des percussionnistes tribaux, en regardant seulement deux de ses neuf pistes au-dessus des cinq minutes et en peignant ses chansons avec des couleurs vives Technicolor (harmonies vocales à plusieurs pistes, mandolines découpées, suffisamment de bois pour tuer un cheval), Jónsi a créé un disque qui ne se contente pas de divertir: il demande de l’attention. Le rythme est remarquablement rapide (même les ballades ne sont pas alourdies par des tempos allongés), et sa voix sonne toujours aussi douce et naïve en parlant de jeune amour (comme sur le point culminant du tonnerre « Animal Arithmetic ») et de camaraderie fracturée (le fluide « Sinking Friendships »), entraînant lentement l’auditeur dans son propre monde d’émerveillement enfantin.

Il est douteux que quiconque aurait pu imaginer Jónsi avoir un album aussi joyeux et prêt à être rejoué que Aller en lui (surtout après son projet décisivement mixé Riceboy Sleeps), mais des mois après sa sortie, il est évident que c’est un album dont nous parlerons encore pendant des années. – Evan Sawdey

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54. MGMT – Félicitations [Sony]

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Il est facile de voir pourquoi les bandwagoneers qui traînent juste pour un autre « Kids » se sont éloignés de MGMT dès leur album de 2010 Toutes nos félicitations commencé le streaming. Le premier album de l’ensemble de Brooklyn en tant que MGMT, Oracular Spectacular, regorgeait de succès psych-pop et new-new wave, le tout sous la direction du producteur de Flaming Lips, Dave Fridmann. Mal à l’aise assis sur cette formule, ils ont poussé leur base de fans à ses limites avec Toutes nos félicitations, prenant un virage pour le côté ésotérique de psychédélisme habité par les goûts d’Electric Prunes et Moby Grape, cette fois avec Pete Kember de Spaceman 3 derrière la planche.

Le son est devenu plus grincheux, plus authentiquement rétro alors qu’il traversait un pastiche de styles allant de la fin des années 60 à l’invasion britannique au début des années 80 néo-psychédélique. Leurs paroles ont plongé dans le fond, remplies de réflexions d’enfants de fleurs et d’une référence musicale assez obscure pour faire de la crème des lecteurs d’Ugly Things. On ne peut tout simplement pas nier le fait que quelle que soit la promesse de ces excursionnistes Oracular Spectacular, ils ont rempli avec Toutes nos félicitations. – Alan Ranta

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53. Belle et Sébastien – Belle et Sébastien écrivent sur l’amour [Matador/Rough Trade]

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Dans le paysage de la musique pop contemporaine, le butin de la critique et du succès commercial revient souvent à ceux qui ont laissé l’amour derrière eux. L’amour est passé, remplacé par des tubes sur les téléphones, des odes aux visiophones et un partage excessivement explicite de beaux fantasmes tordus sombres. Pour les auditeurs qui recherchent quelque chose d’un peu plus épanouissant que la luxure et la technologie, Belle & Sebastian arrivent pour écrire sur l’amour. Alimenté par l’élan de l’album énergique de 2006 La poursuite de la vie et le style de groupe de filles de Stuart Murdoch Dieu aide la fille, Belle et Sébastien écrivent sur l’amour frappe le sweet spot tôt et souvent. Bien que rien sur l’album ne dépasse le titre principal de Sarah Martin « I Didnt See it Coming », l’album propose une série de réflexions romantiques qui ne sont pas étrangères au doute, mais globalement optimistes. Les chanteurs invités Norah Jones et Carey Mulligan offrent une nouvelle inspiration au sommet des arrangements orchestrés de façon attrayante du groupe. Pour un album de plus, pour un an de plus, Belle & Sebastian ont gardé l’amour en vie. – Thomas Britt

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52. Robert Plant – Bande de joie [Rounder]

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Quand planifie une suite à Raising Sand, L’album gagnant de Grammy de Robert Plant avec Alison Krauss a échoué, Plant s’est tourné vers Raising Sand le guitariste Buddy Miller pour produire un ensemble distinct de chansons racines, cette fois avec des harmonies de Patty Griffin et un groupe de joueurs as aux côtés de Miller, y compris la sonnerie multi-instrumentale Darrell Scott. Avec le goût impeccable de Miller et sa connaissance encyclopédique de la musique roots, Bande de joie suinte d’une musicalité toute-puissante. La plante semble lâche et inspirée, allant des croons romantiques (« Falling in Love Again ») aux murmures gothiques (« Silver Rider ») aux gratteurs bluesy (« Central Two-O-Nine »). Accompagnez-le d’un véritable renouveau pour Plant, une légende du rock qui a trouvé un moyen de négocier les fardeaux de son passé glorieux en embrassant les sons sublimes d’un autre. – Steve Leftridge

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51. Châteaux de cristal – Châteaux de cristal II [Fiction]

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Une de mes plus grandes craintes est de perdre ma passion, ma faim, ma fièvre pour la nouvelle musique. Que je ne ressentirai plus le désir brûlant de l’alchimie du bruit sacré comme je l’ai fait dans ma jeunesse. Que je « perdrai ma religion ». Ces jours-ci, comme certains vampires maudits accrochés à l’immortalité, je dois boire profondément ou mourir. Mais chaque fois que je menace de tomber en poussière, quelque chose me ramène. Crystal Castles me redonne ce feu. La lumière du jour dans l’obscurité. Les possibilités, le glamour, la romance, le danger, l’ambition de l’opprimé, la pierre angulaire. Cela dépendait tellement de ce deuxième album étant tout ce dont j’avais besoin. J’en avais besoin pour me garder en vie. C’est tout cela et plus encore. De la férocité sauvage frénétique (« Doe Deer ») à la poésie fragile (« Celestica ») aux bizarreries déformées (« I Am Made of Chalk »), elle fait rage triomphalement contre la mort de la lumière. Je crois toujours à la magie, je crois toujours aux châteaux de cristal. – Matt James

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50. School of Seven Bells – Déconnectez-vous du désir [Vagrant/Ghostly International]

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Si Déconnectez-vous du désirLa fluidité de l’harmonisation vocale fait appel à une ancienne forme musicale, le reste de l’album associe la musique pop à la nervosité de tous les disques de danse électronique moderne intéressants. Maniement constant de phrases de guitare tordues et tordues et structure de chanson plus solide sur Déconnecter, School of Seven Bells étoffe le mélange gagnant de la techno et de l’état de rêve bleary exploré sur 2008 Alpinismes. Les références de « Camarilla » bégaient de nouveaux synthés de l’ère des vagues, et le pépin et le fuzz de « Babelonia » rappelleront le plus affectueusement ceux de Stereolab. Allumé, mais il y a plus que de la nostalgie au travail. Les paires vocales lumineuses des membres de la fratrie Alejandra et Claudia Deheza illuminent les textures denses et mystérieuses sur Déconnecter. C’est beaucoup plus accessible que le lot cuit dans les rythmes sournois à leurs débuts, mais c’est bizarre et beau, transmettant à partir d’un tronçon agréable et herbeux entre Manchester et Manhattan. – Dominic Umile

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49. Owen Pallett – Heartland [Domino]

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De Joanna Newsom à Janelle Monáe en passant par Sufjan Stevens, 2010 n’a pas manqué d’excentriques pop, mais même ils auraient dû travailler dur pour sortir d’un album concept à plusieurs niveaux dans lequel le personnage central fait rage contre son créateur, un courroucé, Auteur semblable à Dieu qui partage sans coïncidence son nom avec le créateur de l’album. C’est un travail de gymnastique méta-fictif digne de Flann O’Brien ou Charlie Kaufman, mais Owen Pallett, un collaborateur privilégié de (entre autres) le MVP 2010 The Arcade Fire, est assez sage pour garder l’album aussi mélodieux et de bonne humeur comme il est intelligent, une écoute digne même pour ceux qui ne souhaitent pas démêler ses nœuds lyriques alambiqués. En effet, Pallett, qui a déjà enregistré deux albums exceptionnels sous le nom de Final Fantasy, a honoré Heartland avec ses compositions les plus ornées et les plus luxuriantes, se souvenant, comme trop peu de ses pairs bizarres semblent le faire, que la meilleure route des oreilles à l’esprit est toujours celle qui traverse le cœur. – Jer Fairall

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48. Superchunk – Majesty Shredding [Merge]

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Si l’histoire tient 2010 comme « The Year Indie Broke », (à travers, pas vers le bas), il convient donc que les hommes d’État (et les femmes) les plus âgés de Superchunk aient pu livrer deux formidables adresses de State of the Indie Union lors des premières salves de Déchiquetage Majesté, leur premier album en neuf ans: « Digging For Something » et « My Gap Feels Weird ». Mac McCaughan et le gang ne savent pas toujours ce que quelque chose de bizarre, mais tout au long, ils flottent leurs théories: les rythmes push-pull du « My Gap Feels Weird » susmentionné (dont le titre a été fourni par la fille de McCaughan, post- perte de dents, mais elle couvre plus que l’espace et le temps depuis 2001 Voici pour fermer); les cordes gracieuses de « Fractures in Plastic »; le grondement de « Learned to Surf »; la fièvre de « Crossed Wires » et « Rope Light ». Vraiment, l’album n’est rien de moins qu’une célébration du dernier quart de siècle de rock indé au grand cœur et aux grosses guitares … et un plan pour le prochain. Voici pour Superchunk vieillir gracieusement … et ne pas tenir compte du titre de leur dernier album. – Stephen Haag

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47. Yeasayer – Odd Blood [Secretly Canadian]

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Sortir un album de synthé heureux en 2010 ne vous permet pas de vous démarquer, mais quand cet album de synthé heureux est Sang étrangeeh bien, c’est une autre histoire. Le deuxième album de Yeasayer est une révélation, un chef-d’œuvre qui digère et distille ses influences – la pop britannique des années 80, les rythmes du club de danse des années 90, peut-être même des contemporains expérimentaux de Yeasayer – avant de les appliquer, et l’expérience d’écoute qui en résulte est l’une des deux têtes -nodding familiarité et surprise. Des sélections comme « Ambling Alp » trouvent le chanteur Chris Keating en contrôle de ce qui pourrait être du chaos – des tam-tams martelants, des crescendos d’effets – menant le groupe à travers des hymnes ciblés et des comedowns, des chansons également adaptées à la piste de danse ou à la radio universitaire hip .

Sang étrangeLa perfection sonore de, aidée par l’ancien batteur de Peter Gabriel Jerry Marotta, ne fait rien pour blanchir l’énergie débridée qui crépite entre les mélodies et les bulles parmi les rythmes changeants; non, il l’améliore, au lieu de polir les sons à un éclat réfléchissant, révélant des facettes profondes de la musique qui pourraient autrement être perdues si une approche lo-fi était déployée. – Michael Lello

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46. ​​Josh Ritter – Fuit ainsi le monde loin [Pytheas]

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Pean auditif et lyrique chatoyant à l’impulsion de quête essentielle de l’humanité, le cinquième LP du maître artisan indie-folk idahoan est incroyablement bien adapté aux sens de la nostalgie et de l’absence existentielle qui motivent cette impulsion. La collection exquise de chansons de Josh Ritter présente des marins errants (les vagues épiques de « Change of Time »), des momies égyptiennes en mal d’amour (« The Curse », le point culminant de l’album), des chimistes philosophes et des voyants au sommet de la montagne (« Lark »), une polaire sinistre des aventuriers (« Another New World ») et des trous noirs récurrents.

Mais l’équilibre est tout; juste au moment où la douce amertume de l’empirisme menace de submerger (comme c’est le cas pour les cacophoniques « Rattling Locks »), un sentiment obstiné d’espoir nous fait signe de revenir au bord du gouffre (« Lanterne »). Alors fuit le monde a une portée céleste qui transcende les contextes choisis. Ritter suggère que les horizons étincelants recherchés par les plus audacieux d’entre nous ne peuvent jamais être tout à fait atteints, et même l’effort de les approcher coûte cher. Et pourtant, il poursuit, et nous aussi. – Ross Langager

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45. Swans – Mon père me guidera jusqu’à une corde vers le ciel [Young God]

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C’est vraiment génial d’avoir Swans de retour (c’est un disque Swans, et pas seulement parce que Norman Westberg est ici), mais pas pour des raisons nostalgiques. Michael Gira n’a pas perdu une once de la rage et du dégoût qui caractérisent son travail le plus pénible, comme « Jim », « My Birth » et « Eden Prison » le démontrent habilement, mais Mon père… penche également son chapeau au travail plus doux du son de Gira avec les anges de lumière sur le « Reeling the Liars In » auto-excoriant et trouve un milieu horriblement endormi entre Neu! et les Stooges pour le chant d’ouverture monolithique « No Words / No Thoughts ». Et si vous pensez que la position de Gira sur la religion ou la gamme émotionnelle n’est pas assez nuancée, vous ne faites pas assez attention; passez à la fin de « Little Mouth » encore une fois, et essayez de vraiment comprendre ce que Gira dit là-bas. Est-ce qu’il sape l’hérésie audacieuse du reste du disque, ou quelque chose d’autre se passe-t-il entièrement? Quoi que vous décidiez, c’est un moment saisissant, troublant et fascinant sur un disque plein d’entre eux. – Ian Mathers

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44. Erykah Badu – Nouvelle Amerykah, deuxième partie: retour de l’Ankh [Motown]

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L’ankh est le symbole égyptien de la vie, mais qu’est-ce qui rend la vie si grande? Erykah Badu’s Nouvelle Amerykah, deuxième partie: le retour de l’Ankh suggère que la réponse est l’amour, même quand il nous pousse. Trouver sa « freak-quency » optimale est un thème subtil tout au long, tandis que les grooves frappent sublimement avec des hochements de tête égaux à Eddie Kendricks, Notorious B.I.G., et Paul McCartney & Wings. Deuxième partie lisse la nervosité de Partie unLa brillance politique excentrique, rappelant les records chauds et bas et les confitures prolongées souples dans le catalogue de Mme Badu. Pourtant, c’est sa voix dévastatrice et émotive qui fait comprendre qu’il y a deux émotions de base: la peur et l’amour. Mme Badu nous montre comment les deux s’entrelacent dans des chansons comme la magnifique finale en trois mouvements « Out My Mind, Just in Time », le J. Dilla a produit « Love » et le single « Window Seat » (avec son commando controversé vidéo). « Vous ne voulez pas tomber amoureuse de moi », déclare-t-elle. Mais nous l’avons déjà fait. – Quentin Huff

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43. Autechre – Oversteps [Warp]

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Le fardeau d’être Autechre peut enfin avoir levé pour Sean Booth et Rob Brown. Pendant une décennie solide, il semble que le duo ait été incapable de se retirer d’une session animée de « Can You Top This? », Repoussant la mélodie et le rythme identifiables en faveur de la flexion du concept de savoir si leur art peut être classé comme « son » ou « musique ». Oversteps sonne comme le premier album depuis peut-être leur LP « noir » éponyme (a.k.a. LP5) qu’Autechre a créé avec un public à l’esprit.

Oversteps récompensera le plus le public qui est resté avec eux à travers (et peut-être même apprécié) les albums depuis Confield, car il utilise bon nombre des astuces de flexion de fréquence et de manipulation statique qu’ils ont apprises tout au long de ce tronçon d’une manière qui peut plus facilement tomber du côté « musique » du spectre. Regarder Booth et Brown atteindre cet équilibre de styles se traduit par une sorte d’expérimentation difficile à trouver même dans une musique classiquement expérimentale. Il s’est avéré qu’Autechre n’avait pas besoin de sacrifier son côté académique pour retrouver son côté populiste. – Mike Schiller

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42. Midlake – Le courage des autres [Bella Union]

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Dernière version de Midlake, 2006 Les épreuves de Van Occupanther, aurait dû être l’effort révolutionnaire du denton, au Texas. L’album présentait l’une des meilleures chansons rock de l’année (« Roscoe ») et révélait un groupe avec un talent et un potentiel énormes. Malheureusement, Van Occupanther – avec son accent sur des harmonies vocales d’une beauté stupéfiante, des arrangements de cordes élégants et des paroles complexes – a volé en grande partie sous le radar dans une année où les palmarès des albums étaient dirigés par des groupes électro-lourds et des groupes de rock garage comme Arctic Monkeys, le Hold Steady et la télévision à la radio.

Maintenant, avec leur première sortie en près de quatre ans, Midlake est à nouveau au bord de quelque chose de génial. Le courage des autres is the band’s best album to date and somehow manages to top Van Occupanther in nearly every way — a formidable accomplishment in itself. The album expands on the ensemble’s somber, subtlely-layered, folk-infused album rock sound, which continues to show Midlake’s love affair with Fleetwood Mac.

The songwriting is tighter and more hook-laden. The lyrics, filled with vivid medieval imagery, are as cerebral as ever. And the production is exquisitely warm and inviting, with each layer of acoustic guitar, vocal harmony, violin, and woodwind coming through with crystalline clarity. The Courage of Others should be a signal to the music world that a great band has arrived. – Michael Kabran

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41. Christian Scott – Yesterday You Said Tomorrow [Concord]

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In the press materials accompanying Yesterday You Said Tomorrow, Christian Scott describes the album as an homage to the music of the 1960s — from John Coltrane and Charles Mingus to Jimi Hendrix and Bob Dylan. And as an ode to that great era, Yesterday You Said Tomorrow wholly succeeds, from Scott’s Miles Davis-esque trumpet tone to the progressive political messages behind the songs and their titles (e.g., « American’t », « Angola, LA & the 13th Amendment », « Jenacide (The Inevitable Rise and Fall of the Bloodless Revolution) ») to the album’s be-pop-infused cool jazz compositions to its warm production courtesy of Rudy Van Gelder, the legendary producer who recorded countless landmark jazz albums in the 1960s.

However, what ultimately makes Yesterday You Said Tomorrow a masterpiece isn’t its evocation of the sound of a lost time but rather its complete encapsulation of the sound of today. Scott, perhaps better than any other jazz musican around, creates music that is representative of the present day musical landscape, with its musical influences as diverse as ever. Yesterday You Said Tomorrow touches on hip-hop, rock, folk, electronica, and, of course, jazz all the while maintaining strong pop sensibilities. The melodies are blue and achingly beautiful, soaring above deceptively simple, head-nodding, swinging beats. The arrangements are sparse, leaving room for big vibrating chords and playful, mildly atonal improvisations. Yesterday You Said Tomorrow is truly a cross-generational triumph. – Michael Kabran

My introduction to Christian Scott was admittedly naive. I didn’t approach him from the understanding of a jazz head who’d seen him rise through the ranks of trumpeters in New Orleans’ 9th Ward. I simply heard he’d cover Thom Yorke’s « The Eraser » and wanted to give it a listen. But it took all of a half a spin before I realized the man’s discography was an essential document of modern jazz, with Yesterday You Said Tomorrow arriving as the pinnacle of his career to this point. His trumpet tone is instantly recognizable, blending the muted tones of Jon Hassell and Miles Davis’ more reserved works with a breeziness that often recalls the vocals of soft jazz. It’s not surprising he cites his main inspiration as his mother’s singing voice of all things.

Yesterday You Said Tomorrow is also notable in Scott’s discography for taking a bit of a Marsalis approach to jazz, interpreting arrangements as political talking points, using both titles and audio cues to attempt to spark conversation among the album’s listeners. Through his music, he addresses the parallel natures of Angolan and Los Angeles racism through the eyes of the 13th Amendment, compares local police to the Ku Klux Klan, addresses the Jena 6 and much more. Yesterday You Said Tomorrow is certainly a sad album buoyed by the early, transcendental rendition of Yorke’s « Eraser ». But because of that one bright moment, and the amazing tone of Scott’s trumpet throughout, one never steps away from Yesterday You Said Tomorrow feeling defeated.

The endgame of this album is undoubtedly a renewed spirit, a renewed sense of hope for the overlooked throughout the world. Jazz may be a relic of the ’40s, ’50s and ’60s to many, but Christian Scott is certainly one of the artists fighting that notion expertly. – David Amidon

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40. Vampire Weekend – Contra [XL Recordings]

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As with its self-titled debut, Vampire Weekend’s sophomore effort almost hides all of its innovation — its ability to blend global sounds, straight-up indie rock, and electronic music — by making such an easy, simple pleasure to listen to. Much is made of bands’ tendencies to put up a « difficult » second record, but Contra seems engineered to encourage maximum repeat listens — there’s nothing abrasive about it, so you can throw it on at any time. Listenable, however, shouldn’t be confused with simple: band member Rostam Batmanglij’s production is easy to take in, but it’s also lush, bright, and full of twinkling elements: a marimba here, a keyboard flourish there.

The full sounds still supports lyrics in that preppy upper-class milieu that brought them scorn with the last album, with references to Richard Serra, Wolford’s, and « living at the French Connection ». But it just goes to show that the band isn’t apologizing for what it is: a band that’s created in the same mold as Paul Simon and Talking Heads, isn’t ashamed to sing about frippery like organic toothpaste and San Pelligrino, and one that is thoroughly enjoyable to hear. – Marisa Lascala

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39. Justin Townes Earle – Harlem River Blues [Bloodshot]

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Is this the best hillbilly record ever to emerge from New York’s East Village? Probably not, but it’s tough to think of a more worthy contender to that throne than this. Justin Townes Earle — son of Steve, namesake of Van Zandt — comes from the right background, and it shows. He’s smart as hell (despite an addiction problem that keeps knocking his career off track) and he demonstrates a wisdom and clarity of purpose that belies his age. At just 28 years old, and on his fourth record in four years, he has got record-making down to a science.

Keep it simple, tell the truth, and don’t let them mess with your arrangements. This ain’t commercial country by any means — there are buzzing guitar strings and other evidence of homespun realism all over the record. But while a lot of that hit parade stuff will fade away in a few months, this is a record that will stand up for years and decades. It’s old school music from one of the leading lights of the new school, reminding us it all comes ’round again. – Stuart Henderson

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38. Patty Griffin – Downtown Church [EMI/Credential]

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There is no guarantee that simply going to a place of worship will inspire devotion. Musicians regularly « turn » gospel or enter holy places to record songs that ultimately fail to take the listener to church. But the most successful of these recordings seem to carry consecration through the speakers, and Patty Griffin’s Downtown Church is a stunning example of such an album. Recorded at Nashville’s Downtown Presbyterian Church, featuring esteemed guests (Emmylou Harris, Jim Lauderdale, Shawn Colvin) and produced by Buddy Miller, the album consists mostly of traditional numbers and songs by writers other than Griffin.

Her skill in interpreting others’ words and music is of a piece with her attempt to reconcile her own complex opinions of religious devotion with the pure expressions found within the sacred songs. Though there’s nary a misfire in the collection, the highlights (« House of Gold », « Never Grow Old », and « All Creatures of Our God and King ») express a spiritual yearning that moves the listener beyond present concerns and into the life of the world to come. – Thomas Britt

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37. Twin Shadow – Forget [Terrible]

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Some impressive new bands have closed the decade by turning back the clock to the dreamy period bookended by new wave and shoegaze. On his debut album Forget, George Lewis, Jr. casts his own line into this slice of ’80s pop and comes out with an astonishing collection of songs. The Brooklyn native separates himself from his fellow ’80s pop devotees by scaling back on the layered guitars (Wild Nothing) and side-stepping the twee (Pains of Being Pure at Heart). Forget is mostly dark, richly-textured songs created by an artist who cares about precision (and who benefited from the production assistance of Grizzly Bear’s Chris Taylor).

Perfectly-placed instruments (twinkling synths, spare strumming on the Telecaster) give the album’s best moments (the cloud-parting chorus of « At My Heels », the disco-beat opening to « Shooting Holes ») all the space they need to breathe. Together with Lewis’ rich voice, which he overdubs to great effect on tracks like « Castles in the Snow » and « Tether Beat », and gut-wrenching lyrics, the result is an album that sounds like it was years in the making. People will adore Forget for just as long. » – Freeden Oeur

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36. The Tallest Man on Earth – The Wild Hunt [Dead Oceans]

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Considering that « Dylanesque » was already a dusty cliché before Kristian Matsson was even born, saddling the Swedish singer/songwriter who calls himself the Tallest Man on Earth with that tag in 2010 amounts to the laziest sort of critical shorthand. With his bleating vocals, rustic acoustic guitar playing and effortless lyrical phrasing, though, Matsson is practically asking for it, inviting the most imposing and irrelevant of comparisons before brazenly shrugging them off and heedlessly pressing forward.

Think of The Wild Hunt in terms of homage and find not, as you would with many a wannabe, a young upstart’s attempt to adopt the elusive Dylan mystique into their own personal mythology or a revivalist’s shot at picking up on one of the many threads that Bob left dangling throughout the last five decades of popular music, but rather a bold hit of the « reset » button that re-imagines the young, circa 1963 Dylan in an alternate universe incarnation in which he suddenly has the entire history folk rock that he inspired at his fingertips. Or, if that is a thought experiment too brain-scrambling to pursue, just think of The Wild Hunt purely as music, and find that it is one of the year’s freshest and most melodically rewarding releases, regardless of any genre, history or influence at all. – Jer Fairall

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35. Ryan Bingham & the Dead Horses – Junky Star [Lost Highway]

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Ryan Bingham was thrust into the spotlight when his song « The Weary Kind » (co-written with T-Bone Burnett) from Crazy Heart won the Oscar for best song. He then teamed with Burnett as producer for his third album and it offers a blend of blues, country and rock that show Bingham as arguably the premiere crossover artist in those genres. The world-weary yet soothing cathartic quality in Bingham’s gritty voice oozes from every track on Junky Star. « The Wandering », « Depression », « Strange Feeling in the Air », « Hallelujah » and « Change in Direction » all highlight the band’s bluesy rock side with great effect. « Depression » and « Change in Direction » also feature socially-conscious lyrics that infuse a great Dylan-esque vibe that’s all too lacking in the 21st century music scene. The rest of the album focuses on an atmospheric Western sound, one the Dead Horses are quite skilled at. The blend makes for a unique mix that offers a memorably fitting soundtrack for the economic strife of 2010. – Greg Schwartz

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34. Drive-By Truckers – The Big To-Do [ATO]

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Character studies are fine and all, but they’re much more interesting if they rock. Case in point: « The Fourth Night of My Drinking », funny and pretty when played on the piano, also sounds like an immense cloud of longing and dread when subjected to the Drive-By Truckers’ triple-guitar attack. Their song subjects are ripped from the headlines, sure — a working stiff is worse off than his daddy, a preacher’s wife goes on trial for murdering her depraved husband, the local music scene dies. But you keep listening because the rhythm section’s a powerhouse, their chord progressions are unique, and the guitarists have a penchant for noisy squall like nobody this side of Sonic Youth. Though the second half of The Big To-Do has some filler, it’s in the grand tradition of filler that sounds pretty good whenever you put it on. And put it on you should, because for sheer beautiful guitar tones, nobody can touch this band. – Josh Langhoff

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33. The New Pornographers – Together [Matador]

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In a banner year for Canadian indie bands, Together stands out for the sheer magnitude of its grin-inducing creativity. You can’t fault a record for living up to its title: the songs on the New Pornographers’ latest take on many shapes and sentiments, yet end up coming together to create one of the year’s most uplifting pop albums. Whether amid the hooky rush of songs like « Crash Years » and « Moves » or the intricate and eccentric mode of « If You Can’t See My Mirrors » or « Valkyrie in the Roller Disco », Together deftly matches romping, full-band noise with equal parts clarity and tenderness. No matter which of its many members find themselves at the helm of a given track, the sum total feels more integrated and powerful than any of the band’s previous work. The result is a sustained feeling of dauntless motion and optimism: much as its cover art suggests, Together strives to blur the lines that separate a joyful leap from a plunge into the starry void. – Chris Matei

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32. The Roots – How I Got Over [Def Jam]

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Complacency can be one of the biggest creative killers to musicians. And there’s nothing more complacent than a stable, full-time job. That’s what was facing the Roots during the recording of How I Got Over. No doubt some fans may have been concerned about how the band could maintain quality control on the album front while carrying on their gig as the best late night house band in the industry. Worry not. How I Got Over is every bit as urgent, assured and flat out solid as its fiery predecessors Game Theory et Rising Down. As the lead off track states, Black Thought and company get their Charlie Parker on throughout the album, blending gospel, hard-hitting hip-hop and folk into a filler-free 40 minute testament of their staying power. Much has been made of the more optimistic tone of the album, but the real coup of How I Got Over is the band’s ability to manage a guest list worthy of Conan O’Brien’s last week at NBC (John Legend, Joanna Newsom, Monsters of Folk, P.O.R.N.) and make it sound like a unified work only the Roots could pull off. – Sean McCarthy

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31. Neil Young – Le Noise [Reprise]

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Le Noise sounds like everything that audiophiles would have breathlessly anticipated a Daniel Lanois-produced Neil Young record sounding like, but it’s also an impatiently weary and beautifully harsh soundtrack to the unravelling of America. Armed with a guitar, that timeless warble of a voice, and all of the warped feedback effects that he and Lanois can dream up, Young conjures his most darkly-hued vision of existential malaise since Tonight’s the Night. Even on the acoustic ballads « Love and War » and « Peaceful Valley Boulevard », Young expresses doubts that the old appeals to reason and justice hold sway any longer.

That his lyrics tend towards the familiar expressions of bruised hope and open-road salvation that he’s relied upon since the late ’60s doesn’t render the mystic rumbling that underlies them any less frank and immediate. The dopplering waves of grinding distortion that haunt Le Noise may well be the year’s sharpest metaphor for the crumbling empire, and Young and Lanois deserve credit for amplifying them rather than turning them down. – Ross Langager

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30. Sharon Jones & the Dap-Kings – I Learned the Hard Way [Daptone]

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The world can never have enough classic soul music, even when it’s created in 2010 in Brooklyn. Sharon Jones & the Dap-Kings make the music up to date by struttin’ their stuff with tough vocals, brawny instrumentals, and tight horns so that one can shout along to the lyrics and dance to the music at the same time. The songs allow Jones to show she knows the importance of not only standing up for her love rights, but also for standing up for oneself against all types of cruelty. She understands money is not a luxury, but essential for living, and that having compassion for others only makes one stronger. Jones defiantly sings about troubles, but celebrates triumphs instead of weeping at the world. The backing musicians crown her achievements through their regal fanfares, infectious rhythms, and solid beats. Together, they sock it to the present-day universe. – Steve Horowitz

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29. John Grant – Queen of Denmark [Bella Union]

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One of the ways that great pop music asserts itself is by establishing its own world, by staking out a space that a listener can identify with, inhabit, and return to. It doesn’t have to be a new world, for there is always fascination in exploring the hazy spaces of the half-forgotten. Such was the case with Midlake’s The Courage of Others, which brilliantly recreated the murky, weird soundscapes of 1970s British folk rock. Even better was the group’s other recording of 2010 when they acted as backing band for former Czars frontman John Grant. Grant’s album was all the more brilliant for allying Midlake’s ’70s soft rock fuzz to a set of startlingly direct and intimate songs that tackled the perennial themes of love, loss, hate and hope.

There was a dramatic backstory to Grant’s album for those who wanted to follow up the intriguing imagery of the songs (and, for those unfamiliar with the Czars, a wonderful back catalogue to catch up with). But even without any extra knowledge, it was clear that Queen of Denmark represented a process of sustained memory work: the references were quirky, personal, and unique. Like a sonic equivalent of Joe Brainard’s classic book I Remember, the highly personal recollections that Grant imparts are recognizable not because we share his memories but because we recognize that we too have remembered in this way.

I heard more sonically daring albums this year, more innovative work informed by cutting edge sonics and experimental narrative techniques. But I didn’t hear anything more devastatingly moving than John Grant’s little songs of wonder and fate, nor anything that resolved quite as brilliantly as the last line of the last song, the line that gave the album its title and that, in retrospect, the whole beautifully sequenced work seemed designed to lead up to. – Richard Elliott

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28. Surfer Blood – Astro Coast [Kanine]

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None of the guys in Surfer Blood actually surf, but their music is overwhelmingly informed by lives lived oceanside. Every song on their debut LP, Astro Coast, is sun-bleached and reeking of the sea. It is a definitive summer album that was released in January and unfuckwithable enough to stay in our collective heavy rotation until summer finally showed up. Casual references to David Lynch and President Obama drift through knotty surf riffs and saltwater taffy melodies. It’s all remarkably easy to love, yet the album’s longevity is still a bit shocking: a mainstay of 2010 from the very beginning to the very end. It’s fitting that their year was capped off with the news that they had signed to Warner Bros. Records — home to R.E.M., Built to Spill, and the Flaming Lips. It’s not hard to imagine Surfer Blood truly belonging next to those names in five to ten years time. – Ben Schumer

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27. Caribou – Swim [Merge]

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No one has ever claimed that Dan Snaith doesn’t know what he’s doing. As far as I’m concerned, every album that has come out with either the Manitoba or Caribou moniker has been a critical and popular hit. However, while albums like Up in Flames et Andorre have garnered critical acclaim, there was always the chance for them to lose appeal after around 30 listens. Previous albums have leaned on a more pastoral aesthetic than Swim. En réalité, Swim tends to finally realize what Snaith has been building to this whole time; an album chock full of songs that call to mind Kraftwerk, dance punk, and psychedelia mixed equally with no genre hogging center stage.

The album pumps along with urban beats, electronica-inspired engineering, and ’80s-styled programming. The heart of this album is meant to display Snaith’s craft as never before. There are more layers, more synths, more found sounds… in essence, there’s just more going on here. That’s not to say that this album is overkill. Snaith knows when to pull back and give the listener a break, but I find it difficult to believe that they would want one. – Matthew Werner

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26. Jamey Johnson – The Guitar Song [UMG/Mercury Nashville]

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During shows a few weeks before The Guitar Song was released, Jamey Johnson had taken to covering the George Jones standard « Who’s Gonna Fill Their Shoes? », a song that wonders if anyone can ever provide the classic country magic of the Opry legends. With his excellent 24-song double album, Johnson lays all doubt to rest regarding the honky tonk hero heir (and hair) apparent. Johnson’s band of road-burnished hippies keeps things loose with the steel guitars and Telecasters and organs and tight harmonies, showcasing a staggeringly rich fluency in country’s golden era and giving way to redolent open-air grooves.

As a result, The Guitar Song is the coolest-sounding country album in ages. On one keeper after another, Johnson gets his Waylon wail on, with an authentic, distinctive moan on the kind of beard-in-the-whiskey twangers and ballads that everyone can agree on. However, the real feat of The Guitar Song is that Johnson completely steers clear of hokey retro on the strength of pure, convincing songwriting (and a handful of ace covers). It might be audacious for Johnson to drop a double-platter, yet on his fourth time out, he’s provided enough indispensable hard-hurting and redemptive tales to get you from Austin to Fort Worth. Didn’t Hank do it this way? – Steve Leftridge

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25. Spoon – Transference [Merge]

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« Buying records in record stores is cool », says the liner notes of 2010’s most aloof pleasure. Mirroring the stereotype of cliquey analog loyalists, Spoon’s Transference feels exclusive and cold, no matter what format you chose. It was even released in a promotional dead zone (January), purposely ducking the radar. Producer/drummer Jim Eno clips Britt Daniel’s screams like treated samples, as if deciding his thoughts are better kept a secret anyway. Lyrically, less is more here, which only enhances the band’s cool factor while its peers Tweet every bologna sandwich.

On an album so rooted in the cerebral — and what isn’t said — why shouldn’t the music do the talking? The taut rhythm section swears under its breath, especially on the groove-loaded first half where serrated love notes like « Is Love Forever? » slice deep. There’s a hypnotic, numb aura that stems from (what else?) a breakup, but it could just as easily be from esteem-crushing unemployment and delayed political promises. The Austin boys keep theirs. – Alex Bahler

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24. Grinderman – Grinderman 2 [Anti-]

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The greatest trick that Grinderman ever pulled was convincing you it was out of control. The sweat-stained, creepy cousin of the Bad Seeds, Nick Cave’s unruly rock band may deal in jagged chunks and fiendish, salivating id, but these guys deliver every sneering burst as a definitive, calculated strike. The songs on Grinderman 2 came from improvised jam sessions, but here they are given shape and made to howl. From the predatory thump of « Mickey Mouse and Goodbye Man » to the gauzy heft of closer « Bellringer Blues », these are expansive, gut-rumbling rock songs. And Cave fronts this underbelly rock band by crooning with a devilish bravado.

Cave has never had trouble making us squirm, but Grinderman has afforded Cave the opportunity to delve into some of his darkest characters, and the results are abrasive but stunning. Grinderman 2 is sex-crazed and seedy, self-obsessed and unapologetic. But it is not, not even a little, uncontrolled. What’s most brilliant about this dark record is that, despite its sprawl, it still finds Cave and company holding something back. Something I’m pretty sure we couldn’t handle. – Matt Fiander

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23. Konono No. 1 – Assume Crash Position [Crammed Discs]

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While Konono No. 1’s latest album may not have had quite the shock of the new that marked their Crammed Discs debut in 2004, there was no denying that that this was a mighty set of tunes from the Congolese group. Assume Crash Position was abrasive, brilliant proof that the group were not to be classed as a temporary hip trend, as that year’s differential, but that theirs was a sustained and grounded aesthetic that predated and superseded comparisons with experimental rock, trance, and electronica artists.

It made sense. Papa Mingiedi’s group has been honing its unique take on bazombo trance music for around four decades, after all. On this album, Mingiedi explored the extent of that history, delving into numbers performed by the first incarnation of the band and also slyly employing the talents of a young Konono tribute band from Kinshasha who mimic the distinctive distorted likembé sound with electric guitars. Highlights abounded, from the epic likembé-and-drum workouts « Wumbanzanga » and « Konono Wa Wa Wa » to the praise song « Makembe » and the closing track « Nakobala Lisusu Te », a meditative solo performance by Mingiedi.

2010 also saw the appearance of some excellent media features on the band, with the elderly Mingiedi becoming a something of a cover star. Crammed released a lavish box set of Congotronics material that catered for fetishists of vinyl and hip African music alike and, toward the end of the year, compiled a double CD of hip acts such as Animal Collective, Juana Molina, and Deerhoof paying tribute to the same material. – Richard Elliott

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22. Gorillaz – Plastic Beach [Virgin]

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When Damon Albarn puts together a mixtape, he really goes the extra mile. Three albums in to his Gorillaz career, the Blur frontman isn’t treating his cartoon cavalcade like a side project anymore. While its predecessor, Demon Days certainly sharpened the concept, Plastic Beach perfected it, bringing on a host of all-star associates to create one of the year’s best albums. The percentage of albums featuring cameos from Snoop Dogg over the past decade must be as staggeringly high as Snoop by his own admission often is, but his choice as the host of Plastic Beach is as inspired as the segue into the hip-hop/Arabic mash-up of « White Flag ». And therein lies the beauty of Plastic Beach, an album made by many hands, yet with enough of a common thread to not only keep the whole together, but also allow it to work fully in a live setting with a band that boasts half of the Clash among its ranks.

Reading more like an idle flip through the record collection of someone you wouldn’t mind taking a road trip with, Plastic Beach features collaborations with Mick Jones and Paul Simonon, Lou Reed, Mos Def, De La Soul, Mark E. Smith, Gruff Rhys of Super Furry Animals, Little Dragon and Bobby Womack. The latter sounds a million miles away from his halcyon days in the soulful ’70s, but his voice has matured into something both rougher and more beautiful. Indeed, Womack’s work on the album’s first single, « Stylo », and on its emotional denouement, « Cloud of Unknowing », are possibly the best performances on an album hardly lacking in them.

It’s possible Albarn sleeps maybe two hours a night, as he’s apparently recorded a Gorillaz follow-up on an iPad while on the road with the band, has plans early in the year for new Blur material and is nearly finished with an Afrobeat album with Flea and Tony Allen. In the meantime, there’s Plastic Beach, a journey that still sounds as fresh and vibrant as the moment it dropped. – Crispin Kott

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21. Four Tet – There Is Love in You [Domino]

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The biggest compliment I can give to Four Tet’s There Is Love in You, besides pointing out that it’s lush and intelligently melodic, is to say that this is the sort of record that can play as the loud soundtrack to a heavily inebriated evening just as well as it can play on headphones during a long train ride through deep woods. Or, to put it another way, this is the sort of record that bangs successfully at high volume but still delivers satisfaction for anyone willing to dedicate time to a close listen.

Kieran Hebden as Four Tet has been bending and blending jazz, electronica, and dance-flavored beats for more than a decade and this might be his most polished and approachable effort yet. His great achievement with this record is that he continuously moves his songs forward—all his edits and transitions push the sound, never letting it rest—and the end effect is an album of layered vocals, snares, and dozens of samples and loops that will move you, even if you’re sitting still. – Sean Cooper

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20. Das Racist – Sit Down, Man [Mishka/Made Decent/Greedhead]

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This year, world finally tuned into Das Racist when the hip-hop duo dropped Sit Down, Man in September. Last year, the Brooklyn rappers were considered nothing more than a cute meme thanks to the hilarious and catchy « Combination Pizza Hut and Taco Bell ». This year, they’re seen as vanguards because of the 37 songs the group released in the form of two free mixtapes. Not everyone knew how to react to their first release, Shut Up, Dude, but music critics and fans greeted Sit Down, Man with celebratory flair. Though the album is packed with guest drops and collaborations from the likes of Jay-Z, Diplo, El-P and a host of other eye-grabbing pop names, it’s Das Racist’s Himanshu Suri and Victor Vazquez who really shine. The duo hit their stride with Sit Down, Man, and their flair for mind-bending wordplay and their lyrical chemistry have hit their peak. – Leor Galil

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19. Sufjan Stevens – The Age of Adz [Asthmatic Kitty]

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Over the last five years, the way we consume music has changed, so should we not expect the artists who make it to have done the same?
Illinoise was always going to be tough act to follow and with the official quashing of his much hinted 50 states project, the anticipation for indie poster boy Sufjan Stevens’ follow-up was high. With that in mind, it’s possible The Age of Adz could have collapsed under the weight of our collective expectation. Still, ever the wolf in folk’s clothing, Steven’s has created something defiantly his own, yet refreshingly different from what many may have expected.

Sonically overwhelming on first listen, skittering electronica collides with sweeping orchestral arrangements, while enchanting choral vocals intertwine with Auto-tune. It is these grand and often unusual soundscapes which form the backbone for a series of deeply personal meditations on love, sex and death. Brimming with ideas both musically and lyrically, Stevens is no longer reducing the grand to the intimate. Instead he is exploring his own emotions with a new rawness, making the personal seem epic and in turn, challenging what we expect from him as an artist. – Tom Fenwick

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18. Best Coast – Crazy for You [Mexican Summer]

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Reverb-hazy, sing-song lo-fi pop certainly isn’t underrepresented in the American indie rock scene these days, so it’s understandable if you are inclined to dismiss the California-based trio Best Coast as yet another group of dewy-eyed, underachieving C86 revivalists. Despite its admittedly limited nature, what makes the band’s debut album so indelible is the feeling that permeates it—that wide-eyed, sun-kissed yearning exemplified by cuts like « Boyfriend », « Crazy for You », and « Our Deal ».

Every word frontwoman Bethany Cosentino sings conjures up sensations that evoke some fondly-remembered endless summer, aching for fleeting love and good days long gone. The musical template the record is based on may be easy for others to replicate, but it’s the emotional center of Crazy for You that really demands Best Coast converts. – AJ Ramirez

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17. The Black Keys – Brothers [Nonesuch]

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Full of distressed and fuzzed-out racket, the Black Keys delivered their highest charting album in 2010, sparing themselves much pomp and circumstance, as one can tell from the cover alone, and grinding through 15 tracks of Rubber City falsettos, blues, and rusted love song. They made great use of their barricaded studio in Muscle Shoals, Alabama, retaining greater use yet of part-producer Danger Mouse.

Brothers is a tinged album, one spattered with cold, fervor, and down-home substance. Had the brothers gone in a different direction, individually, they may have faltered with their now trailer-worthy garage formula. But this release was a consistent, and its single, « Tighten Up », is such a song. Encapsulate of the album, Auerbach and Carney defy the new-classic sound of artists like Jack White and Mark Ronson, sounding ever old, ever scorched with whisky and heart. – Jason Cook

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16. Mavis Staples – You Are Not Alone [Anti-]

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You Are Not Alone is a testament to the power of veteran musical minds joyfully collaborating. Chicagoans Mavis Staples, undisputed soul and gospel legend, and Jeff Tweedy, frontman for Wilco, consistently deliver the goods on this musically diverse record. The tunes range from the inspiring, Wilco-tinged title track, a Tweedy original, to a cover of John Fogarty (« Wrote a Song for Everyone ») to traditional gospel tunes from the Civil Rights era (« In Christ There Is No East or West »). On « Downward Road », Staples’ band finds a gospel groove so miraculously loose that it feels like it could fall apart at any moment.

Staples is backed not only by Tweedy, but also by many of her regular touring musicians. The result is an effort that sounds simultaneously comfortable and innovative. Despite the refreshingly varied song choices and creative arrangements, it is Mavis’ vocal delivery that makes this record a thing of beauty. Her low voice carries the sound of experience and profound spirituality. No matter what your faith may be, You Are Not Alone is sure to remind you that music is almost better with two. – Jacob Adams

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15. Ariel Pink’s Haunted Graffiti – Before Today [4AD]

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Before Today is a breakthrough for Ariel Pink in more ways than one. It marks what may be the definitive turn in a story of frustrated ambition that includes over a decade’s worth of bedroom recordings, self-promotion and auspicious but always inadequate recognition. The album is his first for established alternative label 4AD, his first with a full-time backing band and — most importantly — his first to bear openly the marks of an up-to-now capricious talent.

With Before Today, Pink made his music more professional and more accessible without sacrificing any of its radical, confrontational charm. It was the soulful, irresistible lead single « Round and Round » that won Pink and his band, the Haunted Graffiti, widespread attention and indie accolades, but the album plays from start to finish like the impossible, bastard brainchild of practiced inspiration and off-the-wall eclecticism. – Dylan Nelson

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14. Galactic – Ya-Ka-May [Anti-]

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The kings of modern New Orleans funk and acid jazz have always been a stellar live band, but they’ve been searching to find their way in the studio. Galactic went in a more instrumental direction after « The Houseman » left in 2004, then experimented with hip-hop flavors on 2007’s From the Corner to the Block. The band continues with a variety of guest vocalists here, but without limiting themselves to any one genre. The result is a classic disc that exudes instrumental prowess but also contains a slew of well-crafted and memorable vocal songs.

The diverse sound shows off everything that makes the New Orleans music scene so unique and special. Tunes like « Bacchus », « Dark Water » and « Speaks His Mind » create specific moods that gives the album a compelling ebb and flow, while « Heart of Steel », « You Don’t Know » and « Cineramascope » all became staples in the band’s repertoire. This hopefully leads to a full album with frequent 2010 band member Cyril Neville, absent from Ya-Ka-May but the perfect singer for Galactic. – Greg Schwartz

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13. Joanna Newsom – Have One on Me [Drag City]

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A quick note first, since it comes up in the comments every year: yes, PopMatters’ review awarded Have One on Me a 4/10 rating; yes, this same magazine is now heralding it among the year’s best; no, this is not an irreconcilable inconsistency. That review reflects one critic’s opinion; this feature, an aggregate of PM staff consensus. Let it be a credit to Ms. Newsom: hardly n’importe qui‘s on the fence. I’m certainly not. Nine months later, and I’m still humbled by the startling richness, emotional depth, and beauty of this record.

Gone — for good, I’ll assume — are the screeching vocalisms of Milk-Eyed Mender (Newsom’s voice has grown wonderfully) and exhausting orchestral gymnastics of Ys. In their place are, well, songs — two hours worth of the most earnest, personal songwriting of Newsom’s career, smartly split into three easily digestible 40-minute discs, and running the gamut from sparse, harp-driven balladry (the haunting « Baby Birch » and « Jackrabbits ») to fiercely confident excursions into jazz- and piano-pop territory (« Easy », « Good Intentions Paving Company »).

The result feels to me like her own Blood on the Tracks of sorts: like Dylan in ’75, she has scaled back the most polarizing features of past works without sacrificing artistic integrity and come up with her most complete, emotionally direct work yet — a densely woven song cycle loosely linked by themes of love, loss, and moving on. I’m just not ready to move on from Have One on Me quite yet. – Zach Schonfeld

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12. Deerhunter – Halcyon Digest [4AD]

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At the outset, Bradford Cox’s two bands, Deerhunter and Atlas Sound, pulled in separate, nearly opposite directions. However, as Cox has narrowed his focus, the two projects have begun to converge on a single point, an atmospheric indie-pop aesthetic that employs ambient noise and tunefulness in equal measure. Sur Halcyon Digest, Deerhunter’s fourth full-length in just five years, Cox and his bandmates continue to refine this sound, with often stunning results. « Revival » offers a kaleidoscopic take on ’60s psych-pop, while « Desire Lines » closes with a groove-heavy outro that’s already become a live favorite.

« Helicopter », meanwhile, pairs crystalline guitars with aqueous electronics, as Cox revisits a few long-running obsessions (death, faith, loneliness) with surprising candor. And « He Would Have Laughed » caps off the album with a restless tribute to the late Jay Reatard that, fittingly enough, cuts off abruptly, just shy of the eight-minute mark. Few songwriters are lucky enough to enjoy the kind of hot streak that Cox is currently on and if Halcyon Digest offers any indication, he’s just getting warmed up. – Mehan Jayasuriya

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11. Sleigh Bells – Treats [Mom & Pop / N.E.E.T.]

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Sure, Sleigh Bells hit like a ton of bricks when Treats came out in May, but we were left wondering if their first full-length was only a summertime fling. We now have our answer: Treats has staying power, packing as much of a wallop even after the novelty factor has worn off and you know what’s coming. Neither the hype nor the backlash could dull the visceral impact that Sleigh Bells conjure up on Treats. The towering riffs, red-alert keyboards, and rapid-fire beats on the opener « Tell ‘Em » are as alarming and thrilling as ever, while « Crown on the Ground » and « A/B Machines » have yet to lose any force or intensity more than a year after they were first leaked. And when you hear where they’re headed, literally putting the power in power pop on « Rill Rill » and « Riot Rhythm » (the last track recorded for Treats), the question to ask isn’t whether Sleigh Bells will find a place in indie’s current pantheon, but what they have in store for an encore to their one-of-a-kind debut. – Arnold Pan

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10. Big Boi – Sir Lucious Left Foot: The Son of Chico Dusty [Def Jam]

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Dear Jive Records: you screwed up big time. Sure, it’s perfectly reasonable to sit on an album for two years if you feel that album has limited commercial potential. It’s rather unreasonable, however, in the case of Big Boi’s Sir Lucious Left Foot: The Son of Chico Dusty, which features 14 surefire hit singles by my count. The label hassles would prove to be blessings in disguise. With OutKast partner Andre 3000 legally barred from appearing on the album, Big Boi is finally forced to stand on his own.

And stand tall he does. With his bonkers, tongue-twisting MC skills in top form, Big Boi scores key assists from an impressive roster of top rappers and producers, none of whom try to detract our attention from the man of the hour. From the trunk-rattling thump of « Shutterbug » to the breezy, Janelle Monáe sung « Be Still », there’s more musical ideas and styles at work here than you’re likely to see on a dozen lesser hip hop albums. We’ll be picking at this overstuffed funhouse of an album for years to come. – Daniel Tebo

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9. Gogol Bordello – Trans-Continental Hustle [Columbia/American]

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Wherever Gogol Bordello goes, they drag the world around with them, violent and gorgeous thing that it is; a reflection, if you will, of the peoples who are pushed, pulled, forced to make new lives in strange lands. The core message of Trans-Continental Hustle is perfectly captured in “Uma Menina »: “And so I took a knife and then I carved out… New life line on my palm. » The (currently) nine-member band of immigrants that comprises Gogol Bordello is truly the heir to the Clash in terms of punk energy mixed with a smart political message and world beats.

Frontman Eugene Hütz growls in his coarse, masculine voice about the gypsy/immigrant curse – forever marginalized, forever demonized. “You love our music / but you hate our guts » he howls in “Break the Spell ». At once joyful and attractively angry, poignant and playful, this is pure poetry with a punch. I haven’t yet figured out what “My Companjera » is about, but the line “Your baby claw stuck in my chest » perfectly illustrates the passionate imagery that leaps from these lyrics.

Perhaps the best song, composition-wise, is “When Universes Collide » which, with its stark lyrics, drags the listener down into the slums with it, then gives her heart a hard, hard squeeze. Joy abounds, too, particularly in “Pala Tute » (#9 on PopMatters Best 60 Singles of 2010), an unabashed ode to the joy of sex combined with a critique of the religious strictures that would have us all remain uptight, unhappy virgins. This is smart, infectious music that feeds one’s head and heart, as all good music should. I can see Joe Strummer up in Heaven now, shaking his head and smiling. – Karen Zarker

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8. Titus Andronicus – The Monitor [XL Recordings]

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Titus Andronicus’ The Monitor is a record of delirious, towering ambition. It’s a concept album that uses the Civil War as a metaphor for personal turmoil, complete with eight-to-14-minute songs and excerpts from period-appropriate speeches. At the same time, though, it’s also the best punk rock record in years, with beery, raised-fist singalongs presented with frantic, joyous abandon. This type of combination — high-art complexity mixed with good, old-fashioned volume and passion — is everything that rock ‘n’ roll can and should be, and it’s incredibly refreshing to see bands like Titus Andronicus finding new and compelling ways to fuse these elements. The Monitor is smart, loud, tuneful, exciting, and damn near perfect. Not only is it one of the best records of 2010, but it has set the bar pretty high for the coming decade. – David Gassmann

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7. Beach House – Teen Dream [Sub Pop]

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One could argue that what pop music needed most in 2010 was a healthy dose of mystery. As this decade closes and a new one begins, it’s fair to say there’s never been a smaller divide between artists and fans. As Twitter and Facebook have exploded, music listeners have been able to shrink the mystical shadow that surrounds the creators of popular art. At first, it was cool being provided a wider glimpse into the worlds of our favorite bands. But the more we find out about what Kanye ate for lunch at some posh hotel, the less revelatory our discourse becomes.

Beach House’s Teen Dream exists refreshingly outside of this media-soaked mess. And it’s not because of their social networking habits (they have Twitter, too, after all). It’s because of their jaw-droppingly beautiful music, which feels indebted to no particular time, place, or social movement. These ten tracks simply speak for themselves, each a patient, irresistibly catchy exercise in economical grace.

The sonic ingredients are familiar, Victoria Legrand’s husky alto floating over minimal organs, synths, and modest beats, often bathed in an ocean of reverb. But Legrand and instrumentalist Alex Scally manage to fashion these glowing, ambient pop lullabies into towering, emotional landmarks. With Teen Dream, Beach House have made the most mysterious album of 2010, and likely the most resilient. – Ryan Reed

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6. LCD Soundsystem – This Is Happening [DFA]

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LCD Soundsystem mastermind James Murphy has built his band’s reputation over the past decade as a great singles act. Even the Soundsystem’s critically-acclaimed second album Sound of Silver, solid as it was, got by mostly on the strength of its two incredible standout singles, « Someone Great » and « All My Friends ». This Is Happening goes a long way towards proving that Murphy and company can keep up that level of quality over an entire album. It’s a good thing, too, as Murphy seems intent on keeping his promise that this will be the final LCD Soundsystem release.

The spectacular opening track, « Dance Yrself Clean », is like a microcosm of everything the band does well. Murphy sings with wit and humor while the music softly rolls along on a bed of percussion, then adds a simple synth line. After over three minutes of this, the song explodes into a full-on dance song, then continues for almost six more minutes. From there the album is one highlight after another, from goofy single « Drunk Girls », to the warm, cathartic « Home », with its perfect wordless chorus of « Ah »s.

In between there’s the twin self-pitying love songs « All I Want » and « I Can Change », the sarcastic « You Wanted a Hit », and the hilarious critics vs. artists rant of « Pow Pow ». This Is Happening may not break new ground for LCD Soundsystem, but it hones their sound to a finely sharpened musical point. If this is indeed the way Murphy intends to retire his brand name, he’s going out on one hell of a high. – Chris Conaton

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5. Arcade Fire – The Suburbs [Merge]

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Si Funeral was in part about the urban neighbourhoods that united friends, Arcade Fire’s third album The Suburbs focuses on life in the fringes of the city — which essentially makes it an entire record around a loose concept previously explored in Rush’s « Subdivisions ». One half a love letter to the ‘burbs, and one half a nuking of the idea of the nuclear family, Arcade Fire have delivered a disc that can be endlessly parsed for all sorts of meaning. No doubt a Ph.D. thesis could be written about this dense, multi-layered album that offers a great deal of rewards, especially upon repeated listening.

The front half, in particular, is loaded with catchy, hook-laden tunes that should become a part of the indie rock canon for decades to come. If Neil Young ever had a love child with New Order and Depeche Mode, what you’d get is the result here. And what a glorious, yes, sprawling mediation of growing up on the outskirts looking in is what is offered in The Suburbs. Ultimately, what Arcade Fire has delivered is yet another masterpiece, proving once again that these Montrealers can apparently do no wrong. – Zachary Houle

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4. Kanye West – My Beautiful Dark Twisted Fantasy [Def Jam]

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The operative word in
My Beautiful Dark Twisted Fantasy is « my », the signpost for the intersection between Kanye West’s personal issues and his possessiveness. Small wonder the first word he utters is « I ». Previously, 808s & Heartbreak purged his personal ills through an icy, though not soulless, Auto-Tune filter. Eclectic and ostentatious, West’s Fantasy offers a warmer, brighter palette. The language glows. The choruses soar. Verses are delivered by monsters, and populated with porn stars, abusers, devils, and centaurs (or « fat booty Celine Dion »s).

The songs are longer, roomier, with venturesome flourishes: guitar riffs, vocal effects, a vocoder solo. Fantasy‘s epic sound speaks to West’s uneasiness with his stature. He is a mass of contradictions, the illumination of which forms the core of his appeal as an artist. As both star and collaborator, his statements are grandiose, grasping, a hip-hop King Midas who’s done with being undone by his detractors. Fantasy is Kanye West’s self-portrait, in Cubism: complex, petulant, somewhat paranoid, but bursting with ideas and never boring. – Quentin B. Huff

While the album has it’s notable flaws, so do all great, canonized works. That is what confirms their humanity, their unconcealable nature as beasts of the Earth, doomed to leave some fault, somewhere. So while « All of the Lights » can rightly be nitpicked for a myriad of factors, all that really matters is the visceral reaction the song receives when Kanye first lets the chorus erupt from the belly of the track. All too often, musicians seems to fall short of its potential by avoiding the visceral nature of their art, folding to social trends and corporate pressures.

This album, to me, avoids all of that, standing out as a remarkably singular and zeitgeist-capturing event. It may not be the pinnacle of musicianship in this decade, but it is something like outsider art crafted through the monolith of corporate greed. A truly fascinating thing to experience, every time the record starts to spin. – David Amidon

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3. Flying Lotus – Cosmogramma [Brainfeeder/Warp]

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From progressive free jazz to spaced-out psychedelic soul to surrealist hip-hop, Flying Lotus’ Cosmogramma clashes together some of the most left-of-center black music of the past half century with otherworldly electronic beats to create a still undefined sound that is uniquely his own. But as forward thinking as Cosmogramma is, the LP defies the current iTunes epoch of cherry-picking albums for a few select cuts and ditching the rest of the release. Broken apart, Cosmogramma leaves an unfocused impression. Taken together, it coalesces into a dazzling illumination. As demanding as it is rewarding, Cosmogramma is a brilliant splattering of ideas that interlock to form its own Afro-futurist universe. At bottom, it is the soothsayer and the thrown-down gauntlet for all other electronic music albums in the upcoming decade. – Eric Allen Been

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2. The National – High Violet [4AD]

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In 2009, Animal Collective found their next-level breakout by buffing and shining their eccentricities into an expansive yet palatable sheen. The National found a similar new level in 2010, but they went a different route to get there. High Violet is dark and disjointed, huge and unsettling, but it manages to avoid the back-handed « grower » tag. Deep under the troubling guitar tones, the overcast strings and keys and horns, the intricate thunder of the drums, are deeply infectious hooks. The songs hit immediately, but then leech into your skin and stay there.

Of course, it helps to have singer Matt Berninger, the closest thing to an American Morrissey we’ve got. He may play it less arch than Mozz, but he takes similar chances, he’s darkly funny, and he risks the melodramatic image to brilliant effect. Voices swallow souls here. Brains are nearly eaten. But as Crooner for the Underground, Berninger delivers it all with a sly yet weary charm. High Violet is a tough record for tough times, but it’s no shelter from the storm. This isn’t a way to put your head down and wait for the looming darkness to pass.

Sur High Violet, Berninger and company stand up, spines straight, pulling sharp grins into the teeth of that dark, asking with a shrug, « Is that all you got? » – Matt Fiander

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1. Janelle Monáe – The ArchAndroid [Bad Boy]

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Janelle Monáe’s The ArchAndroid proves she’s the whole package. Fashion? She wears tuxedoes and rocks the sculpted pompadour of a 1950s crooner. Dancing? Her moves must’ve been inherited from James Brown. Musically? Her diverse sound incorporates soul, funk, rock, new wave, and folk, along with rap, jazz, and classical, yet she wields a singular vision. That’s no easy feat considering her album’s epic storyline about an android in the year 2719 falling in love with a human and aiming to stop the time-traveling tyranny of a secret society.

Vocally? Monáe fully inhabits each musical style, from the straightforward funk of « Tight Rope » to the shimmering effects in the Monáe-doing-Prince-doing-Hendrix « Mushrooms & Roses » and the Off the Wall-era Michael Jackson leanings of « Locked Inside ». A dynamo, Janelle Monáe glides over Debussy’s « Clair de Lune » as deftly as she issues the primal screams of a fembot coming alive and experiencing self awareness. – Quentin B. Huff

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This article was originally published on 23 December 2010.



{La technique de la poignée de main
Poignée de mainMilton Erickson – le père de l’hypnothérapie – est célèbre pour avoir utilisé la technique de la salut comme moyen d’induire une transe hypnotique. La shake-hand est la forme de salutation la plus courante dans notre société. La technique de la shake-hand secoue le subconscient en dérangeant ces loi sociale commune. Au lieu de serrer la paluche normalement, l’hypnotiseur interromprait le schéma que notre esprit est établi en saisissant le poigne ou bien en tirant le sujet vers l’avant et en le déséquilibrant. Le schéma étant interrompu, le subconscient s’ouvre soudainement à la suggestion|Technique de relaxation Pourquoi les thérapeutes demandent-ils de « se mettre à l’aise » et de générer un canapé en cuir confortable pour s’allonger ? C’est plus que de la simple courtoisie. La relaxation est une méthode cursive utilisée en thérapeutes mais également une technique d’hypnose pour débutants. Si l’acheteur est détendu, il tomber en transe et l’esprit est ouvert à la suggestion. Il est plus susceptible de vous dialoguer et d’être ouvert à des commandement indirectes. Voici plusieurs méthodes de relaxation courantes : Mettez-vous à l’aise Allongez-vous. Compte à rebours dans votre tête Respiration contrôlée Détend et raffermit muscles Parlez d’un ton doux|L atechnique pour Voir L’écran de la cellule peut être utilisé simultanément pour l’induction de la transe et pour accomplir des suggestions. Par exemple, demandez à votre sujet de se souvenir d’une pièce qu’il connaît bien. Imaginez chacun détail de ce pièce : le sol, la forme des fenêtres, la peinture sur le mur, l’odeur, la lumière. Ensuite, ils passent dans une pièce qu’ils connaissent moins bien. Alors qu’ils s’efforcent de se souvenir des renseignements exacts, ils s’ouvrent à la suggestion. Conseil avancé : employez la vue pour rappeler des souvenirs positifs et associer à un canal gratifiant, ou bien pour éditer la perception d’une image négative. Images et expériences claire (mariage, enfant, anniversaire, obtention d’un diplôme) Jeter les mauvaises images|Blocages des yeux Il subsiste de deux ans sphères du cerveau – la menotte droite gère le côté plus « créatif » et conscient et la gauche le côté « pratique » et subconscient. Dans accompli conversation, attendons réactions des auditeurs pour voir comment ils réagissent à nos déclarations. Observez les yeux du sujet – regardent-ils à droite, accédant d’or conscient ou à gauche en or subconscient ? regardent-ils un objet dans la pièce ? S’ils accèdent or subconscient, vous pouvez composer une suggestion à qui elles ne sont pas conscients. Conseil avancé : Contact visuel dans insertion La lecture des mouvements des yeux d’un auditeur est un cas d’usage courant. Mais saviez-vous qu’en qu’orateur, vous pouvez également effectuer une excitation hypnotique sur l’auditeur avec vos mouvements des yeux ?|Accident Procédez avec prudence ! Comme pour la technique de la poignée de main, un sujet en état de choc enfoncer en transe. Je ne préconiserais ne de causer une algie à un sujet, par contre Erickson le possède démontré autrefois en marchant sur le pied d’une femme et en donnant en réponse à une suggestion. Une version plus serait la « chute de confiance » desquelles vous avez peut-être entendu vociférer et pourquoi pas à laquelle vous avez participé d’un événement de raffermissement d’équipe. Le sentiment de retomber en arrière se heurte au système et ouvre l’esprit à la suggestion, par contre il faut être sûr de ne pas laisser tomber le sujet.|La méthode de la Fixation de l’œil Vous est-il jà arrivé de vous trouver en train de « zoner » regarder un objet intéressant dans la pièce cependant que quelqu’un parle ? Avez-vous complètement manqué ce qu’ils vous ont dit ? Vous avez peut-être été en transe. Tout objet convenable d’or point être utilisé pour induire une transe. Les exemples les plus connus sont le « pendule à moteur » ou bien la « montre de poche à balancier » – bien que ces de deux ans objets soient maintenant associés à l’hypnose de la scène de la farce. Vous avez plus de chances d’échouer et de trouver de la résistance en utilisant ces objets, en raison de leur réputation. Cependant, il deux discret derrière la fixation des yeux. D’abord, l’objet occupe le conscient, ouvrant le subconscient à la suggestion. Deuxièmement, les yeux sont physiquement fatigués lorsqu’ils se fixent ainsi qu’à bougent d’avant en arrière.|Scan du corps
Une méthode populaire d’auto-hypnose. En commençant parmi le haut du corps, les yeux fermés, balayez lentement de la tête aux pieds. Observez toutes collecte – votre respiration qui élargit la cage thoracique, la chaise a l’intérieur du dos, la douleur d’or coude, chaque doigt étendu, les fondement sur le sol. Répétez le de bas en haut. Continuez à numériser grand à bas à ce que vous entriez en transe.|Compte à rebours de la respiration Vous avez peut-être entendu jargonner de la respiration contrôlée pour la méditation, mais peut aussi être une forme facile d’auto-hypnose. Voici comment cela agit : Fermez les yeux et asseyez-vous droit sur une chaise, bras sur genoux. Respirez profondément dans le nez et expirez selon la bouche. En utilisant des aspiration lentes et contrôlées, comptez à rebours à partir de 100. Chaque souffle compte comme un intervalle. A la fin, vous pouvez être en transe. Si vous ne continuez pas l’exercice, le compte à rebours avec un chiffre plus élevé…|Compte à rebours de la respiration Vous avez peut-être entendu balbutier de la respiration contrôlée pour la méditation, mais peut aussi être une forme facile d’auto-hypnose. Voici comment cela agit : Fermez yeux et asseyez-vous droit sur une chaise, bras sur les genoux. Respirez profondément dans le nez et expirez chez la bouche. En utilisant des expiration lentes et contrôlées, comptez à rebours à partir de 100. Chaque expiration compte tel que un intervalle. A la fin, vous avez la possibilité être en transe. Si vous ne continuez pas l’exercice, le compte à rebours à partir d’un chiffre plus élevé…|Suggestion directe Dans l’hypnose conversationnelle, une suggestion directe est un suite explicite d’effectuer un certain action. Bien qu’elle soit puissante, elle est rarement considérée comme contraire à l’éthique car, en qu’autorité (médecin et pourquoi pas hypnotiseur), vous avez un être à même sur le client. Le client ne contrôle pas la décision de changer de tube avec cet méthode. L’expérience de la prison de Stanford est un exemple tristement célèbre d’utilisation de l’autorité, de l’obéissance avertissement directes pour manipuler sujets. Voici plusieurs préface directes classiques : « Vous allez vous endormir. » « Vous allez arrêter de fumer » « Vous allez perdre du poids »|Déclencheur hypnotique Applaudissements Il existe formes de déclencheurs hypnotiques. Un déclencheur rappelle d’or subconscient une action ainsi qu’à une sensation désirée qui a été suggérée au-dessous hypnose. Voici plusieurs exemples : Ouvrir les yeux Le son d’une cloche Claquer des doigts Tapez dans vos mains Debout ou bien assis Ouvrir une échappée|Communication non verbale Les bras croisésLes hypnotiseurs sont des techniciens compétent en communication non verbale, de la lecture du langage corporel d’un client à la transmission de propres réprimande non verbales. Alors qu’un client peut dire délibérément une chose, le subconscient raconter une histoire complètement différente. Voici quelques exemples de la manière de laquelle le subconscient affecter le langage corporel Expressions faciales Posture du corps
Le ton de la voix Pacing Mouvements des yeux Les bras croisés Le chef hoche la tête Couvrir le visage|Le modèle Swish Les sous-modalités être utilisées dans le « swish pattern » – une technique de programmation neuro-linguistique utilisée pour associer ou bien dissocier l’acquéreur à plusieurs comportements. Les cinq effet sont considérés comme des modalités (goût, odorat, vue, toucher, ouïe). Une sous-modalité est un sous-ensemble de ces sens. Voici quelques exemples de sous-modalités : chambre black
Lumière ou obscurité ? Grand ou bien petit ? Couleur ou bien noir et blanc ? Des éclat fortin ainsi qu’à faibles ? Le modèle de Swish commence en une visualisation. Une fois que l’acheteur est en transe, l’hypnotiseur identifie une ou bien deux sous-modalités (luminosité, taille, etc.). L’action indésirable est grande, concentrée et lumineuse au premier plan, pendant que l’action désirée est affichée comme court et faible à l’arrière-plan. Pendant le temps qu’il faut pour dire « Swish » (le nom de la méthode), l’image souhaitée est rapidement lumineuse et grande dans l’esprit du client.|Ce que l’on nomme la Mauvaise adresse Nous constatons que la mauvaise orientation est utilisée sur la terre réel, peu de fois au quotidien, de la adroit d’or divertissement. Le préfixe « mis » signifie « mauvais » et « direction » y est attaché, ce qui signifie que peuple est conduit dans la mauvaise direction. Il existe deux types de détournement, l’un est littéral et l’autre mental. Une démonstration familière de la première serait un magicien qui distrait les gens en agitant une baguette dans sa main gauche et en faisant ensuite un tour de passe-passe de la menotte droite. Alors que le public est mal orienté, le magicien met une carte dans sa manche donnant l’illusion qu’il est « disparu ». La mauvaise orientation peut aussi être une présentation :|La régression pour causer Le client entre d’abord dans une transe poche où il les mode tel que s’ils étaient vraiment là (aussi dénommé somnambulisme). Le thérapeute utilise la présentation pour créer un « pont d’affection » dans lequel l’acheteur vit un événement pour la première fois. Une la cause identifiée, l’hypnothérapeute fabriquer des information et recadrer la situation. Le rythme de l’avenir les madame pom-pom girlsLe contraire de la régression, lorsqu’on demande à un sujet de se visualiser au tarif de prendre des mesures et des comportements appropriés à l’avenir. Au lieu de se tourner vers le passé pour trouver un événement négatif sous-jacent, on se tourne vers un événement qui suscite des émotions criante|Ancré Lorsque enregistrons un souvenir, entiers les sentiment et toutes émotions sont associés. Ce sont des « ancres » dans votre mémoire. Le client est peut-être ancré le passage consistant à fumer des cigarettes dans une pause, un repas, des rapports sexuels, des discussion avec des amis et d’autres sentiments agréables. L’hypnotiseur suggérer de nouveau points d’ancrage pour un canalisation plus positif. La technique de Betty Erickson Betty Erickson était la demoiselle de Milton Erickson. Elle a créé sa précis méthode d’auto-hypnose connue sous le nom de technique 3-2-1. La procédure commence avec yeux ouverts. Prenez note de 3 choses dans la pièce que vous pouvez voir, entendre et sentir. Par exemple : vous pouvez voir un tableau sur le mur, une table et une horloge. Vous pourriez entendre les oiseaux à la fenêtre, le bourdonnement d’un réfrigérateur et le tic-tac d’une horloge. Vous pouviez sentir la pression de la chaise sur votre dos, vos pieds sur le sol, et la chaleur du satellite à travers la fenêtre. Le est répété en réfléchissant sur 2 éléments de chaque sensation, ensuite sur 1 élément (d’où le nom 3-2-1). Ensuite, vous fermez les yeux et recommencez à visualiser 3 objets à partir de chacun sensation dans votre tête. Encore un compte à rebours. Une que vous allez avoir atteint le final mentionné objet, vous allez être en transe. Augmentations les phases Un petit changement est le tremplin vers un changement beaucoup plus important. Par exemple, dans l’hypothèse ou un client essaie de perdre du poids, l’exercice quotidien être un trop grand saut. Vous pourriez de préférence suggérer de commencer pendant une momentané augmentation en montant l’escalier d’un étage et en prenant ensuite l’ascenseur comme vous le feriez normalement. La semaine suivante, de de deux ans ans volées d’escaliers. À terme, elles auront travaillé à un objectif plus vaste et à un premier passage général. Autre exemple : aller d’or gym autrefois pendant semaine pendant 5 minutes. L’engagement est dans l’hypothèse ou faible qu’il est impossible d’échouer. Vous finirez probablement dans rester plus de 5 minutes, augmentant la durée et le taux le montant le pourcentage de jours d’or cours d’un mois.|En théorie, tout conduite est positif d’une manière ainsi qu’à d’une autre. Le subconscient peut justifier un conduite négatif pendant un conduite positif. Un agoraphobe ne peut pas quitter la maison étant donné que le subconscient prétend protéger le corps des dangers du monde extérieur. Un fumeuse endommager physiquement son corps pour chercher à avoir une conversation agréable avec d’autres fumeurs à l’extérieur. L’esprit est constitué de plusieurs parties. Avec la thérapie des parties, l’hypnothérapeute communique avec la partie comportementale pour mieux comprendre pourquoi une action a lieu. Il communiquait alors avec la partie créative de l’esprit pour trouver une autre solution. Dans l’exemple du fumeur, il y avoir un façon de satisfaire le besoin d’interaction sociale : un club de lecture, un groupe de bowling. Le thérapeute utilise le rythme futur pour renforcer le passage positif. Métaphore Les métaphores sont thérapeutiques et mémorables. Erickson aimait utiliser des métaphores dans ses livres et ses enseignements. Voici quelques métaphores classiques : Votre corps est une voiture. Donnez-lui le bon carburant et il fonctionnera bien. Si vous négligez l’entretien et que vous le remplissez avec un mauvais carburant, il tombera en panne. Votre esprit est comme une rivière qui coule et coule à contre-courant. Vous pouvez vous tenir sur la rive et la regarder passer et pourquoi pas vous pouvez essayer de nager à contre-courant. Vous êtes une montagne, forte, impénétrable et haute.|Logique hypnotique En transe, un client interprète révélations très littéralement. Si vous demandez au client « Pouvez-vous vous asseoir ? », il répondra « Oui ». C’est ce que nous appelons la logique hypnotique. Vous pouvez utiliser la logique hypnotique en même temps que des observation comme celle-ci : « Vous pouvez perdre du poids parce que vous avez réussi ». Bien que le fait de réussir ne veut dire pas nécessairement que vous avez la possibilité perdre du poids, cet déclaration est prise au pied de la lettre. Affirmations et pensée positive Une déclaration confirme la pensée positive. Pour un client souffrant de dysmorphie corporelle, vous pouvez lui perpétrer répéter plusieurs fois « Je suis belle » en transe. Reconnexions Les souvenirs s’effacent avec le temps. Si cela peut être un individu ayant vécu une expérience négative, expériences évidente peuvent également s’estomper. Les compétences, comme souvenirs, aussi être oubliées. Un agoraphobe oublier qu’il a jà eu la possibilité de sortir à l’extérieur. En qu’hypnothérapeute, vous avez la possibilité aider à retrouver ces souvenirs positifs et ces savoir-faire en utilisant la répétition et la vue avec le client.}