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Avec décembre ici et une année entière dans le rétroviseur, il n’est pas exagéré de dire que 2010 a probablement été la meilleure année à ce jour pour la communauté de la musique expérimentale. Bien qu’il soit certain que des personnes aléatoires, isolées ou en groupe, produisent des sons expérimentaux étranges et indéfinissables depuis aussi longtemps que l’enregistrement audio a été possible, 2010 a incontestablement vu ce qui devait être des volumes record de sons expérimentaux étranges, indéfinissables, circulant librement au sein de la population en général.

Ce n’est pas que de la musique de type plus expérimental ait été créée en 2010; cependant, c’est juste que de plus en plus entendu. Ceux derrière ces sons étaient souvent des gens sans visage qui, malgré leur utilisation d’une variation infinie d’arrangements technologiques et de méthodes d’enregistrement, partageaient une éthique philosophique commune qui était bien en dehors, sinon en opposition directe, avec quoi que ce soit ressemblant de loin au courant musical conventionnel.

Naysayers essaiera de faire valoir que l’intersection de deux tendances, la prolifération de la technologie musicale bon marché et la fin de l’éducation musicale traditionnelle (que ce soit des coupures au financement de la musique dans nos écoles ou de courtes durées d’attention ne se livrant pas à la pratique du piano) a conduit à la soudaine houle de musique « expérimentale ».

« Expérimental », en d’autres termes est un synonyme habillé de « bâclé », raillaient ces critiques.

Ces critiques diraient également que ce que nous avons vraiment vu en 2010 était une reconstitution musicale moderne des barbares aux portes. Les filtres traditionnels qui ont empêché l’afflux de nouilles obtuses, antisociales ou de mauvaise qualité barbare, ou des « paysages sonores » mortels et cérébraux qui s’étaient infiltrés dans le discours musical plus large se sont détériorés ou ont été dépassés.

Un épisode récent de Le bureau parfaitement parodié cette situation lorsque, suite à une Joie fête de visualisation à l’appartement de Gabe, l’hôte geek, impossible à aimer révèle qu’il est un producteur de chambre à coucher et fait des « paysages sonores », qu’il décrit ridiculement comme « un instant d’une chanson élargie à la taille de l’univers! » A la fin de l’épisode, Gabe serenades Andy avec son mini-synthétiseur « paysages sonores » dans la salle de bain tandis que le chanteur a capella et performeur de théâtre musical est penché sur les toilettes, incohérent et puking. Andy, qui est lapidé d’avoir ingéré une grande quantité d’hippocampes en poudre, approuve ivre des sons de synthé New Age / Trance de Gabe malgré son attitude normalement froide envers le rival dégingandé.

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Android Face par bluebudgie (licence Pixabay / Pixabay

Mis à part les caricatures des producteurs de chambre, Bureau épisode fait allusion avec précision à l’armée massive invisible de personnes qui, comme Gabe, travaillent dur dans leurs maisons et dans leurs studios de fortune sur des visions musicales qui pourraient être difficiles à comprendre pour Gleeks ou des personnes qui, comme Andy, sont scolarisées à l’intérieur et fidèle aux formes musicales traditionnelles / populaires. Sauf s’ils ingèrent de grandes quantités d’hippocampes en poudre, c’est-à-dire.

Une représentation précise de 2010 en ce qui concerne la musique expérimentale, cependant, ne sortira pas des scénarios dans une sitcom. La vérité est que cela ne sortira pas vraiment non plus de la liste des best-of de fin d’année. La vérité n’apparaît que lorsque vous pouvez entendre les communiqués n’a pas faire la liste. L’énorme quantité de musique de qualité réalisée dans la philosophie expérimentale de la dernière année est carrément stupéfiante.

Et tandis que de plus en plus de musique indie et pop sont construites sur un référencement « intelligent » des tendances de la mode passées, la musique faite dans l’éthos expérimental, pour la plupart, semble éviter le problème de souiller ses créations avec des points de référence qui contiennent une expiration toujours plus courte Rendez-vous. Et cela est vrai depuis un certain temps. Vous ne vous retrouverez pas à grincer des dents en écoutant un album expérimental préféré d’il y a trois ans de la même manière que vous le ferez probablement avec beaucoup de disques indépendants à la mode de l’époque. Vous vous souvenez de l’électroclash prédécesseur de Chillwave?

Quoi qu’il en soit, prendre des clichés sur une musique plus conventionnelle n’est pas mon objectif ici, ni définir la musique expérimentale, qui a toujours été une tâche assez risquée même pour les plus ambitieux dans les rangs de la police de genre. Au lieu de cela, contentons-nous de mettre en évidence dix sorties remarquables du monde du son expérimental. Voici donc dix bonnes questions avec lesquelles, si vous avez entendu, vous serez probablement d’accord et si vous ne l’avez pas entendu, vous devriez peut-être entendre afin de comprendre ce qui s’est passé en 2010.

10. David Toop – Sinister Resonance [podcast]

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David Toop a doublé en tant qu’écrivain et musicien de référence depuis un certain temps maintenant. Avec la sortie de son nouveau livre, Sinster Resonance: La médiumnité du lecteur, la Météo hantée L’auteur a trouvé un moyen ingénieux de fusionner sa prose littéraire avec sa vision musicale sous la forme d’un véhicule promotionnel pour le nouveau livre. le Résonance sinistre podcast, qui Le fil mis à disposition gratuitement, présente Toop en lisant des passages de son nouveau livre accompagnés de paysages sonores auto-conçus qui magnifient la chair de poule de l’accent britannique feutré de Toop alors qu’il explore l’histoire de la mythologie et de « l’art silencieux » pour son récit auditif voilé.

Aucune information n’est disponible sur ce qui compose le paysage sonore qui l’accompagne, qui fonctionnerait plus que bien en tant que pièce autonome, mais il semble être un mélange de pièces sonores disparates avec peut-être une bonne dose de traitements personnels de Toop et propre matériel jeté. Quoi qu’il en soit, le mixage est transparent et la voix de Toop est d’autant plus hypnotique lorsqu’elle est entourée par cette partition désorientante et dérangeante.

Bien que la pièce soit sans aucun doute un stratagème de marketing imaginatif pour vous inciter à acheter le livre de Toop, l’auteur présente ici ses idées et idées de son livre d’une manière étonnante. Leur impact sonore, par opposition à littéraire, dicte que le Résonance sinistre le podcast ne doit pas être considéré comme un simple accompagnement du livre publié par Continuum. Au lieu de cela, comme l’ensemble de deux CD qui a été créé avec son livre de 2004 Météo hantée: musique, science et mémoire, cette pièce se présente comme une expérience en soi à la frontière de la littérature et de l’art sonore.

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9. Émeraudes – A-t-il l’air d’être ici? [Editions Mego]

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Le jeu de foot sous la table d’Indie avec le monde expérimental, qui s’est transformé en un massage des pieds sur le canapé après Animal Collective Pavillon Merriweather Post a fait exploser le monde indie l’an dernier, a conduit à l’émergence de plusieurs artistes qui font de la musique expérimentale, mais qui sont davantage associés au monde indie. Il n’y a pas nécessairement de distinction de qualité ou de crédibilité entre ces sortes d’artistes expérimentaux et les underground moins buzz, c’est juste une question de savoir dans quels cercles ils se déroulent et sur quels blogs ils apparaissent régulièrement.

Ce qui les distingue, et explique peut-être la raison pour laquelle le monde indépendant gravite vers eux, est que ces artistes ont tendance à appliquer des tactiques similaires aux artistes à ondes glaciales et aux actes d’électroclash avant eux. En d’autres termes, un ingrédient fondamental de leur esthétique sonore est une référence « historique » particulière. Emeralds et Oneohtrix Point Never (qui ont tous deux sorti leurs albums aux Editions Mego) ne sont que ces types d’artistes. Les deux artistes commencent leur voyage musical à partir d’un point de départ historique distinct dans la chronologie de la musique électronique expérimentale.

Émeraudes Semble-t-il que je suis ici? s’inspire fortement de la tradition minimaliste de Terry Riley En C, ainsi que les structures imposantes de la musique de synthétiseur des années 1980. Ajoutez une bonne dose de balayages de filtres bourdonnants, déchiquetant doucement des solos de guitare qui tournent en arrière-plan, et vous avez un album puissant et néo-stoner qui plaît aux fans plus intellectuels d’Animal Collective.

8. Oneohtrix Point Never – Returnal [Editions Mego]

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Oneohtrix Point Never’s Retour était une déclaration définitive pour un artiste avec une vision esthétique très claire qui travaillait à son son depuis un certain temps. Après la chute Failles, une collection de documents OPN antérieurs, moins écoutés et difficiles à trouver, Retour a été libéré et a servi comme une sorte de point d’exclamation brutal au son que Daniel Lopatin de l’OPN a construit ces dernières années. En utilisant une instrumentation nue qui ne consistait en rien de plus que des sons de synthétiseur analogique nus couplés à une gamme d’effets, Retour transmet une version profondément convaincante et magique de la musique électronique expérimentale.

7. Tristan Perich – Symphonie 1 bit [Cantaloupe]

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Tristan Perich Symphonie 1 bit devrait remettre en question jamais devenir obsédé par la recherche d’un vinyle, d’une cassette ou d’un CD-R ultra limité. Après tout, ce ne sont que copies. Symphonie 1 bit, d’autre part, n’est pas un enregistrement à écouter. Cette version, qui vient dans un boîtier de CD et est décrite comme « juxtaposant la grande forme d’une symphonie classique avec la nature minimale des circuits 1 bit », « interprète » réellement sa musique en direct lorsqu’elle est activée. Combien de ces singles de 7 « que vous avez obtenus le jour du magasin de disques peuvent faire cela?

Il peut jouer, au lieu de jouer, car Symphonie 1 bit est un circuit électronique complet – programmé par l’artiste et assemblé à la main – et vous pouvez entendre le circuit à travers une prise casque montée dans le boîtier lui-même. Selon le site Web de Perich, « Symphonie 1 bit utilise des impulsions électriques activées et désactivées, synthétisées par le code d’assemblage et acheminées de la puce au haut-parleur, pour manifester les données sous forme de son. L’appareil traite l’électricité comme un support sonore, établissant un lien intime entre la matérialité du matériel et la logique abstraite du logiciel. « La lecture de la vidéo ci-dessous peut aider à clarifier ce que tout cela signifie pour les non-technologiquement enclins.

En portant Symphonie 1 bit dans votre main et entendre la partition incroyablement complexe prendre vie via une construction aussi simple est un peu stupéfiant. De plus, sentir les circuits pulser dans votre main alors que les cinq mouvements sont générés juste devant vous avant de se précipiter dans vos écouteurs est une expérience complètement différente de celle à laquelle la plupart des auditeurs de musique sont habitués. Mais l’album de Perich n’est pas inclus dans cette liste simplement en raison de sa construction interne. Bien que tout cela soit vraiment intéressant, la musique elle-même est également incroyable.

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6. Keith Fullerton Whitman – « Disingenuity » b / w « Disingenuousness » [Pan]

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Les deux côtés de « Disingenuity » en noir et blanc « Disingenuousness » de Keith Fullerton Whitman sont une expression de l’excès électronique heureux et un exemple des expériences technologiques complexes actuellement en cours dans le monde de la musique électronique underground.

« Disingenuity » et « Disingenuousness » sont tous deux construits à partir d’une approche qui associe la déconstruction sonore de Musique Concréte à la sensation d’improvisation d’un solo de jazz libre réalisé sur le Doepfer Hybrid Modular Synth de Whitman. Ces enregistrements provenaient d’une improvisation d’une heure sur laquelle Whitman a utilisé une bande d’enregistrements aléatoires sur le terrain comme matériel source, qui a ensuite été soumis à un certain nombre de processus de filtrage électronique compliqués. Le résultat final est une composition déroutante composée de sons de synthétiseur analogique minimaux qui sont ensuite panoramisés, filtrés et modulés à un degré si vertigineux que l’auditeur ne peut probablement pas entendre l’un ou l’autre de ces côtés de la même manière deux fois. Ils sont tout simplement trop denses, malgré leurs sources sonores minimales.

L’importance de l’enregistrement, et la raison de son inscription sur cette liste, est qu’il établit un lien historique avec les classiques de la musique électronique expérimentale de Pierre Henry et Bernard Parmegiani, entre autres. Whitman est depuis longtemps un champion moderne de leur approche intellectuelle entêtante qui utilise le son et la musique pour rapprocher la philosophie, la science et l’art. « Disingenuity » b / w Disingenuousness confirme qu’il est un compositeur du même rang.

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5. So Percussion et Matmos – Treasure State [Cantaloupe]

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L’album collaboratif de So Percussion et Matmos État au trésor peut s’avérer être le record de cette liste qui se rapproche le plus de quelque chose qui ressemble à une sensibilité pop. Il pourrait également se révéler simultanément être le plus tordu et le plus original de sa conception et de son exécution.

État au trésor est décoré d’une gamme stupéfiante d’instruments colorés, allant des tambours en acier et autres maillets, à une combinaison de cornes, ainsi qu’une utilisation inventive des éclaboussures d’eau et des plumes de cactus vibrantes (voir ci-dessous). Tous les sons sont ensuite intégrés de manière transparente avec la torsion stratégique du bouton et les convulsions de battement électronique pour lesquelles Matmos est connu. Une explication appropriée du processus de production qui a finalement donné État au trésor est impossible ici en raison de la complexité totale des sessions d’enregistrement initiales avec Matmos et So Percussion et des couches de post-production fournies par le collaborateur de Matmos Wobbly et le producteur de So Percussion Lawson White. Mais un rapide aperçu de la configuration de leur studio ne laisse aucun doute État au trésor est une expérience non seulement musicale, mais aussi technologique.

Il s’agit très probablement d’une version unique totalement unique et d’un incroyable exemple des possibilités synergiques que permettent les collaborations ouvertes. État au trésor est un instantané unique de Matmos et So Percussion, deux groupes qui semblent être sur une trajectoire créative ascendante sans fin.

4. Thomas Ankersmit – Live à Utrecht [Ash International]

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Le premier album de Thomas Ankersmit, Vivre à Utrecht, est né d’une performance donnée en 2007 et est sorti cette année sous la forme d’un album d’Ash International. Vivre à Utrecht consiste en une performance solo d’Ankersmit, qui utilise un synthétiseur modulaire analogique Serge, un ordinateur et un saxophone alto, tout en incorporant également des segments de bobine à bobine composés par le collaborateur Valerio Tricoli.

Cet ensemble à piste unique trouve Ankersmit intégrant délicatement des composants tonaux concurrents pour créer une structure qui peut sembler statique ou se déplacer lentement au début, mais se révèle très dynamique et pleine de vie. Au cours de ses 38 minutes, Ankersmit guide cette structure d’une manière gracieuse mais urgente. L’auditeur est en partie fasciné, en partie pris au piège par le saxophone lointain qui pousse contre un socle sonore qui vibre avec des textures déformées et des longueurs d’onde désorientantes. Les tons douloureux et déformés d’Ankersmit tremblent comme des arbres stériles essayant de résister aux coups d’un vent numérique vicieux qui hurle comme une bouilloire qui se déclenche dans la pièce voisine pendant que vous dormez profondément.

Le rythme d’Ankersmit montre la patience et la réserve que seule une main ferme peut produire. Pourtant, il n’a pas peur de laisser ses sons devenir incontrôlables pour ensuite se dissiper dans un silence brusque. Ankermsit n’a pas peur du silence qui vient quand les sons s’épuisent et meurent. Il introduit même ce post-flétrissement dans sa pièce de manière pivotante. Ce berlinois né aux Pays-Bas a produit un enregistrement qui établit peut-être une nouvelle barre pour la performance électronique en direct. Alors que de nombreux actes de drones ou de bruit peuvent ne pas stimuler les non convertis, Vivre à Utrecht est suffisamment intrigant comme déclaration artistique pour attirer les non-initiés à ce genre de musique.

3. Solo Andata – Rituel [Desire Path Recordings]

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Rituel, le titre du nouvel album du duo australien Solo Andata, est plus qu’un concept directeur que l’auditeur doit garder à l’esprit lorsqu’il absorbe ses quatre chansons. Le titre « rituel » est également un clin d’œil à l’objectif plus profond de l’album. Comme pour tout rituel chamanique, les éléments de la nature sont exploités Rituel sous la forme d’enregistrements sur le terrain à des fins artificielles, mais inclinées spirituellement.

Les membres de Solo Andata, Paul Fiocco et Kane Ikin, ont travaillé indépendamment l’un de l’autre pour la majeure partie de la production de l’album, en utilisant des approches de composition totalement différentes et en enregistrant sur des équipements très différents. Tenez compte du fait que Rituel a été conçu avec le format vinyle à l’esprit, ce qui a conduit le duo à prendre chacun le contrôle d’une face, et il est plutôt surprenant que l’album parvienne toujours à rayonner avec une esthétique Solo Andata unifiée.

En effet, les deux membres de Solo Andata maîtrisent en partie la technique de l’intégration fluide des enregistrements sur le terrain dans leurs paysages sonores. Fiocco et Ikin sont capables de créer un environnement où l’auditeur a souvent du mal à discerner s’il se déplace, passe des sons le long du chemin ou se tient parfaitement immobile à l’intérieur, écoutant les alentours se précipiter . Il n’y a aucun moyen de savoir si l’une ou l’autre perspective est correcte. Quoi qu’il en soit, le duo déploie le son des phénomènes naturels dans ses créations classiques ambiantes modernes avec grand effet.

Les sources de terrain utilisées par Fiocco et Ikin comprennent les chants à distance, la vibration des cellules cancéreuses humaines (enregistrées avec un microscope qui traduit les données de mouvement nano-mécanique en son) et les enregistrements d’une région éloignée de l’Australie occidentale appelée Injiidup. Ces morceaux capturés sont ensuite mariés à des constellations audio clairsemées mais actives qui mettent l’auditeur au défi d’entendre les enregistrements en tant que composants musicaux. La musicalité latente des enregistrements sur le terrain, tout en étant un sujet débattu pendant un certain temps, doit être reconnue après avoir entendu cette œuvre. La capture de son dans le monde réel de Solo Andata, telle que présentée ici par le premier album des prometteurs enregistrements Desire Path, est aussi créative et sonore que le jeu de n’importe quel instrument.

2. Zs – Nouveaux esclaves [The Social Registry]

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Nouveaux esclaves est peut-être la version la plus dynamique de cette liste. L’album regorge d’idées musicales complexes et rigoureuses, juxtaposant l’anarchie à l’improvisation méditative, tout en incorporant des doses saines de programmation électronique dans des atmosphères organiques et live. Le groupe de Brooklyn réalise un son presque unique en arrachant des morceaux de tout le continuum historique d’avant-garde, y compris le free jazz, no wave, psychédélique, tribal et ambiant. Le mélange et le choc de ces éléments variés qui en résulte se révèlent étonnants au cours de l’album.

L’album est également séquencé au maximum. La nature calme et presque ludique de « Masonry », par exemple, calme doucement l’esprit avant que le titre de l’album ne claque les oreilles avec des cornes dissonantes qui rugissent tandis que des cordes métalliques et chargées électriquement sont férocement pincées au rythme d’une marche retardée. Quinze minutes plus tard, le morceau évolue au point où il se tord avec les cris désespérés et frénétiques d’une guitare très aigu et distordue.

Sur « Concert Black », un crescendo furtif émerge de boucles gonflantes qui éclatent aux coutures avec tension avant de se dissoudre dans un « Acres of Skin » parfaitement mélangé, sur lequel les membres du groupe alternent entre canaliser frénétiquement une langue musicale étrangère et créer collectivement un nouveau à la volée.

La « Black Crown Ceremony » en deux parties, qui clôt l’album, illustre parfaitement la gamme de Nouveaux esclaves. Dans la partie I, intitulée « Diamond Terrifier », une corne étranglée peine à passer au-dessus de l’éclat sonore de la piste, rappelant quelque chose qui ressemble à Maison de rêve-era La Monte Young. Dans la deuxième partie, intitulée « Six Royaumes », nous voyons l’application la plus complète d’échantillonnage et de sculpture électronique sur l’album, le groupe développant un territoire inquiétant pour l’auditeur à parcourir jusqu’à la fin de l’album.

L’étendue de Nouveaux esclaves est finalement aussi impressionnant que le succès avec lequel ses concepts sont exécutés.

1. Cygnes jaunes – Going Places [Type]

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Le duo expérimental de bruit et de drones Yellow Swans a livré son dernier chapitre cette année, Going Places, après avoir annoncé la fin de leur collaboration de huit ans et laissé entendre peut-être que le projet Yellow Swans avait suivi son cours. Cette version finale des membres Pete Swanson et Gabriel Mindel Saloman, cependant, ne sonne pas du tout comme si le duo était à bout de souffle. En réalité, Going Places est un document de quelque chose de massif, quelque chose d’éternel, quelque chose comme les lamentations de l’univers alors qu’il se divise lentement et douloureusement en plusieurs vers.

Comme une grande partie de leur matériel, Yellow Swans drape cet album avec une surface rouillée et en décomposition, représentée par la détérioration des paysages sonores que l’auditeur est laissé seul à errer. Des chansons comme « New Life », cependant, suggèrent que sous cette surface terrifiante, des forces peuvent peut-être être en mouvement. Leur direction n’est pas claire, et il n’est pas clair quelle direction est souhaitable. Il s’agit simplement de reconnaître que quelque chose est en cours et que nous allons effectivement quelque part.

Mais il est assez difficile de se tenir derrière une interprétation concrète de Going Places. En tant que déclaration artistique abstraite, l’album est un aperçu sans compromis d’un abîme qui pourrait se trouver en chacun de nous ou en dehors de nous tous. L’auditeur qui discerne les frontières entre ces riffs sérieux immergés sous des atmosphères oppressives s’apparente à un spectateur traçant les bords lumineux d’un rectangle Rothko. De plus, regarder les peintures de Rothko aujourd’hui en pleine connaissance de son suicide éventuel n’est pas différent de l’écoute de Going Places avec la conscience que Swanson et Saloman ont décidé de ne plus explorer l’abîme en enregistrant et en jouant ensemble. Comme les peintures de Rothko, cet élément se cache au premier plan du dernier testament commun du duo, lui ajoutant à la fois une ambiguïté émotionnelle et une finalité apocalyptique.

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Cet article a été initialement publié le 6 décembre 2010.



Blocages des yeux Il existe deux sphères du cerveau – la menotte droite gère le côté plus « créatif » et conscient et la gauche le côté « pratique » et subconscient. Dans accompli conversation, nous attendons les réactions des auditeurs pour voir comment ils réagissent à nos déclarations. Observez les yeux du sujet – regardent-ils à droite, accédant or conscient ainsi qu’à à gauche au subconscient ? regardent-ils un objet dans une ? S’ils accèdent d’or subconscient, vous pouvez fonder une suggestion desquels elles ne sont pas conscients. Conseil avancé : Contact visuel par insertion La lecture des mouvements des yeux d’un auditeur libre est un d’usage courant. Mais saviez-vous qu’en tant qu’orateur, vous pouvez aussi effectuer une supposition hypnotique sur l’auditeur avec vos mouvements des yeux ?