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– Trouble du sommeil solutions

Dans le passé, nous avons choisi les cinq minutes environ que nous jouions pour faire tomber nos amis amoureux de la musique classique, du piano, de l’opéra, du violoncelle, de Mozart, des compositeurs du XXIe siècle, du violon, de la musique baroque, des sopranos, Beethoven, la flûte et les quatuors à cordes.

Maintenant, nous voulons convaincre ces amis curieux d’aimer la voix passionnée et résonnante du ténor. Nous espérons que vous trouverez ici des tas de choses à découvrir et à apprécier; laissez vos choix dans les commentaires.

Mon père, Loudon, n’a jamais beaucoup aimé l’opéra. Mais quand j’avais 13 ans, le virus de l’opéra m’a durement frappé, et je suis presque sûr que pour mieux comprendre ce que je traversais, il a acheté un CD de Luciano Pavarotti. L’un des morceaux était une version passionnante de «Di rigori armato seno» de «Der Rosenkavalier» de Strauss, et j’ai été fasciné par l’air. L’interprétation de Pavarotti me relie également à une expérience plus tardive et magnifique lorsque, lors d’une représentation de «Rosenkavalier» à laquelle j’assistais au Metropolitan Opera, Luciano est apparu comme par magie – sans facturation – pour chanter le rôle de camée du ténor italien et cet air. Le public est devenu complètement fou. C’était la première et la seule fois que je le voyais en direct.

Il suffit d’un instant pour entendre la commande et la ferveur dans la voix du grand Mario Del Monaco. Vous n’avez pas besoin de parler italien pour comprendre qui est Otello: il fait autorité; c’est un commandant; il est rentré triomphant à Chypre. Ce bref air est notoirement perfide, mais Del Monaco l’attaque avec un abandon intrépide. Quand il a chanté ce rôle, il a souvent reçu des applaudissements féroces pour ces quelques secondes de musique, ce qui, je pense, en dit long sur l’impact que même une petite quantité de musique puissante peut avoir avec le bon interprète.

Il y a de nombreuses années en tournée, je me suis retrouvé dans la ville pittoresque de Borlange, en Suède. En explorant, je suis tombé sur un musée consacré à l’homme connu sous le nom de «Swedish Caruso»: Jussi Bjorling de Borlange. Entendre la pureté, la portée et l’émotion de sa voix pour la première fois, lors de ce rare jour de congé dans un bel endroit loin de chez moi, était spécial et a vraiment touché mon âme. Peut-être que mes propres racines scandinaves se réveillaient! J’adore les enregistrements de Bjorling depuis – l’un de mes préférés est «O Helga Natt», «O Holy Night» en suédois – et je me suis souvent demandé pourquoi ce joyau de ténor n’est pas mieux connu en Amérique.

Quand j’avais environ 13 ans, il ne me fallut qu’environ trois minutes et demie – la durée de l’air «E lucevan le stelle» de «Tosca» de Puccini – pour tomber amoureux des ténors. Surtout Jussi Bjorling, le chanteur sur un enregistrement classique de l’opéra de 1957. La voix de Bjorling allie richesse fondante et intensité palpitante. Son son était si naturellement expressif que tout ce qu’il chantait, même un air désinvolte, avait une teinte mélancolique. Et dans cet air, lorsque Cavaradossi, menacé d’exécution, rédige une dernière lettre à sa bien-aimée Tosca, le chant plaintif et douloureux de Bjorling est d’une beauté incomparable.

Je me souviens facilement du premier air de ténor que j’ai entendu. Je venais de décider d’étudier le chant, après avoir été major en éducation musicale et clarinette. Ce dernier morceau est important, car bien que je sois venu à cet air pour l’écriture époustouflante pour clarinette dans l’introduction, je suis resté pour le chanteur. Je ne peux pas imaginer une introduction aux ténors plus délicieuse que «E lucevan le stelle». À la première écoute, j’ai été complètement captivé par son drame et sa beauté. Le ténor s’est avéré être l’incomparable Franco Corelli, et j’ai toujours entendu une grande humanité dans son son: richesse, joie, tristesse, excitation, émotion.

J’étais un jeune garçon quand quelqu’un m’a donné ce disque en cadeau. L’orchestre a présenté la voix large et vibrante de Franco Corelli, empreinte de sentiment et allant droit au cœur. Son chant était spontané: doux à certains moments, rugissant à d’autres, mais toujours imposant. Malgré mon jeune âge, j’ai pu saisir à quel point la musique pouvait transmettre les émotions les plus bouleversantes, bien plus que de simples mots – emmenant l’auditeur dans un état de bien-être accru. J’ai aussi ressenti, dans le timbre de sa voix, la force d’une rencontre qui allait marquer ma vie: bien des années plus tard, Corelli deviendrait mon professeur.

Les mots et la mélodie fusionnent dans ce chant de luth jacobéen conçu pour bannir l’insomnie. Je dis chanson, mais c’est vraiment une incantation: en invoquant le sommeil pour soulager la douleur d’un ami, le chanteur tombe lui-même sous le charme de l’apaisement, jusqu’à ce qu’on ne sache plus qui fait les ordres. Le compositeur et luthiste Robert Johnson (1583-1633) a dû s’emparer du poème de John Fletcher car son langage trace déjà des contours mélodiques – «facile, doux et comme un courant purling». Pour le chanteur, le texte est une invitation à alléger et adoucir la voix jusqu’à ce qu’elle flotte, s’enroule et se caresse comme le «vent creux qui murmure».

Les cordes scintillent dans un registre céleste alors que le personnage principal de «Lohengrin» de Wagner commence à raconter son histoire. Dans un pays lointain, chante-t-il doucement, il y a un château du nom de Montsalvat, où les hommes les plus purs veillent sur une relique sacrée: «Ça s’appelle le Graal». À ces mots, la musique monte à un point fort comme un éclair de lumière – les cieux s’ouvrant en révélation, la voix de Lohengrin un vase de clarion pour le pouvoir du Saint Graal. Avec le bon ténor, comme Jonas Kaufmann ici, cette transition d’une sobriété tranquille à un rayonnement héroïque peut être tout aussi impressionnante que le trésor qu’elle décrit.

Une jeune femme frappe à la porte de son voisin, cherchant une lumière pour sa bougie; le voisin se présente comme un poète et flirte un peu. Ce n’est pas plus simple, mais dans la musique de Puccini et la voix dorée de Pavarotti, qui s’élève avec une aisance constante, c’est sublime.

Après avoir quitté à peine ma maison pendant des mois, j’ai été attiré par une chanson de l’opérette d’Emmerich Kalman, «Comtesse Mariza», dans laquelle le comte appauvri Tassilo est assis quelque part en Hongrie en se souvenant de ses jours de gloire dans la société viennoise. C’est une valse lente – un souvenir de valses plus rapides et une image sonore nostalgique de l’Autriche d’avant la Première Guerre mondiale. (L’opérette a été créée en 1924.) Alors que Tassilo est brièvement transporté dans «ma Vienne», le couplet mineur passe à un refrain majeur plus clair et à une succession de notes aiguës. J’adore la richesse et la simplicité de cet enregistrement de Fritz Wunderlich; sa vie tragiquement courte la rend encore plus douce-amère.

L’enregistrement de Fritz Wunderlich sur «Granada» est l’un de mes disques sur une île déserte. Son chant est incroyable, absolument débordant d’énergie. Il a tout chanté avec un tel amour et un tel espoir, une telle passion et un tel feu, que cela vous a fait penser que c’était la dernière performance qu’il allait donner. Chaque fois qu’il chantait, il n’était pas seulement un artiste à 100%, mais aussi un être humain à 100%; il y avait toujours un lien direct entre ses sentiments et ceux de ses auditeurs. Avec lui, même la musique superficielle et les paroles gluantes sonnaient comme la plus belle chose au monde.

Il n’y a pas de moment plus purement passionnant dans tout Wagner que la fin du premier acte de «Die Walküre», alors que Siegmund tire l’épée Nothung d’un arbre et avec elle se gagne une épouse, Sieglinde – qui, étant Wagner, vient de se trouve être sa sœur jumelle. Et il n’ya pas eu de ténor plus purement palpitant dans la musique de Wagner que Lauritz Melchior, le chouchou né au Danemark du Met Opera dans les années 1930 et 1940. Sonnant au micro de Vienne en 1935, Siegmund de Melchior est ardent, intelligent, vif – complet à tous égards.

Peter Pears est, étrangement, probablement le ténor le plus important de l’histoire de la musique. Etrangement, parce qu’il n’était en aucun cas un ténor typique. Caruso, Pavarotti, Domingo: ce sont les modèles, et le timbre étrange de Pears ne correspond pas vraiment au leur. Mais il a inspiré plus de bonne musique de son partenaire, le compositeur Benjamin Britten, que de n’importe quel autre chanteur du 20e siècle: des opéras comme «Peter Grimes» et un tas de chansons incroyables. Pears chante également très bien Schubert.

Dans les moments difficiles, je me tourne souvent vers «Der Leiermann» de Schubert pour plus de confort. Le dernier mouvement de son célèbre cycle de chansons «Winterreise», il se sent vulnérable et étrange, intime et extraterrestre. Cela est particulièrement vrai dans les enregistrements plus récents, comme cette sortie de 2009 dans laquelle Paul Lewis taquine la dissonance évocatrice du piano et le ténor Mark Padmore flotte au-dessus, planant. Ils jouent avec une qualité feutrée que vous pourriez vous attendre à entendre dans un chanson pop émotionnellement exposée, donnant à Schubert une impression de chaleur et de froideur de la mélancolie, à la fois moderne et intemporelle.

Lorsqu’il a chanté «La fleur que tu m’avais jetée» de «Carmen», Jon Vickers a été le premier ténor à m’attirer complètement dans le moment et ce qui ressemblait à son cœur. Son interprétation est remplie de tendresse émouvante et d’une puissance honnête, façonnée par une myriade de couleurs et de dynamiques vocales. Alors qu’il monte sans couture au sommet de son registre, il atteint de la profondeur pleine de tons de son âme aux hauteurs tournoyantes de la pure honnêteté. Il nous emmène dans un voyage émotionnel où, sans avoir à regarder une traduction du texte, on comprend parfaitement sa passion.

Cet air de «Aida» est l’un des plus aimés et redoutés (au moins par les chanteurs) de l’opéra. Il a une introduction héroïque, puis change rapidement d’émotion; des phrases lyriques radicales nous convainquent de la sincérité du dévouement du soldat Radamès à son amour, Aida. Il suffit d’écouter la note finale ici: un si bémol aigu, chanté pianissimo. La plupart des ténors le crient, mais le faire doucement, comme Verdi le voulait, est très difficile. Le grand Johan Botha, décédé en 2016, était l’un des rares ténors à pouvoir le réaliser avec autant de beauté et de conviction.